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Llibres d'art
A Abacus disposem d'una gran selecció de llibres d'art per a despertar els dots creatius i artístics tant de nens com d'adults. Compra llibres d’art online. En la secció llibres d'art, trobaràs una àmplia col·lecció de bibliografia sobre una gran varietat de temes, com per exemple: l'origen i la història de l'art, el simbolisme, curiositats sobre els colors pantone, els principis bàsics del color i l'harmonització cromàtica o la museografia, entre altres disciplines artístiques. A més a més, disposem de llibres sobre llenguatge visual, estampació japonesa, per a fomentar la creativitat o per aprendre a dibuixar retrats, entre molts altres. Descobreix-los tots a Abacus!
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Yo estoy en la imagen
El acto de mirar es siempre interpretativo: supone el establecimiento de una relación íntima que afecta tanto al observador como al objeto de su mirada. Pese al supuesto distanciamiento que suele exigirse al teórico del arte, Miguel Ángel Hernández lleva años aproximándose así a las imágenes para establecer con ellas un diálogo profundo en el continuum de arte y vida. El resultado son los textos aquí reunidos, a medio camino entre el ensayo, la autobiografía y la narrativa, en los que siguiendo la estela de Benjamin, Sontag y Barthes se exploran cuestiones como el valor de la memoria y su vínculo con el conocimiento, el duelo, la ética de la mirada, las relaciones entre tecnología y deseo, o la percepción subjetiva del tiempo. A través de una prosa atravesada de vivencias, iluminaciones y experimentación literaria, el ejercicio de contemplar imágenes se nos revela como una experiencia vital y transformadora.
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Cosmología esotérica
Un fabuloso acercamiento a una constelación de mujeres que dedicaron su vida a la practica creativa entendida como camino de conocimiento.Este es un libro que tiene como protagonistas a algunas mujeres visionarias que, desde finales del siglo XIX, vincularon sus impulsos místicos e investigaciones espirituales a prácticas artísticas y creativas. Casi todas lo hicieron desde Europa, aunque muchas tuvieron en cuenta saberes y tradiciones de otros tiempos, lugares y culturas, algunas lejanas.Tras años de opacidad, asistimos hoy a una explosión de curiosidad y fervor por sus figuras: Hélène Smith, Madeleine Lebouc, Anna Mary Howitt, Barbara Leigh Smith, Elizabeth Siddal, Margaret Watts–Hughes, Lili Kolisko, Hilma af Klint, Emma Kunz, Nina Karasek, Elizabeth Wilkinson, Georgiana Houghton, Alice Essington Nelson, Florence Seth, Ethel Le Rosignol, Cicely Martin, Madge Gill, Mary Willis, Josefa Tolrà, Julia Aguilar, Ana de España, Leonora Carrington y Remedios Varo.Se interesaron por las nuevas espiritualidades y los saberes holísticos: el espiritismo, la teosofía, la antroposofía y el interés por antiguas tradiciones herméticas. También por las investigaciones científicas empeñadas en visibilizar lo oculto. Practicaron las nuevas ideas y políticas del socialismo utópico, el anarquismo y el feminismo, basadas en la justicia social y la fraternidad. Y generaron una explosión de apuestas creativas para dar formas a la voluntad de trascendencia y comunicación con mundos más allá del nuestro, de sanación del espíritu y de trazado de caminos de conocimiento que acompañaron su necesidad de transformación de la vida y del mundo.
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Léxico de arte
Un complejo léxico ilustrado de términos relacionados con el arte y la arquitectura, en una presentación manejable y práctica para estudiantes, profesores y aficionados a las artes visuales. Cada entrada incluye notas etimológicas, historia, dibujos y ejemplos de los términos descritos.
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L'exposició «Un altre fi. LA RESTA. Art i antifranquisme», celebrada a El Born CCM entre el novembre de 2022 i l'abril de 2023, posà l'èmfasi en la resistència cultural d'aquella societat tot reunint obres de dinou creadors contemporanis de diverses generacions que converteixen en matèria artística la memòria dels silenciats pel règim. L'art com a expressió del que no podem oblidar. L'art com a mecanisme per imaginar altres possibilitats. La publicació que teniu entre les mans és el resultat de la reflexió d'un conjunt d'autores i autors a l'entorn d'aquelles realitats que han quedat al marge de la història i sense les quals el relat històric no és complet. Són una al·lusió a les dissidències i a històries personals lligades a la fal·làcia de la transició, la pervivència de la repressió i la injustícia. La memòria històrica ens hauria de servir per suturar els nostres relats personals i col·lectius i per poder-los concretar políticament, més enllà de l'espectacle, i començar, així, a consolidar nous desenllaços.
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El sueño de Dolfi
Dolfi era un joven delfín con una gran pasión: nadar en círculos. Una vuelta hacia la derecha. Una vuelta hacia la izquierda. Hasta que un día Lola, una pequeña orca, llegó a su piscina y le habló de un lugar maravilloso llamado océano. Descubre la historia de Dolf i y Lola,un emotivo y sorprendente relato que habla sobre los cetáceos que viven en cautividad.
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Viajes literarios
Para cultivar la comprensión del planeta y de nuestros semejantes, además de viajar, tenemos el recurso de la gran literatura. Hay un mundo que conocer y en el que perderse, y si nos dejamos guiar por la curiosidad, esta puede llevarnos a un viaje interior que nos cambie a mejor. El mundo es cada vez más pequeño: todos estamos más conectados y podemos explorar el planeta de formas que a nuestros antepasados ni se les habría pasado por la mente. Y, sin embargo, pueden verse divisiones por doquier. Cunde la desconfianza y las falsedades se propagan. Viajar puede ayudarnos a contrarrestar estas tendencias, al igual que lo puede hacer leer sobre las experiencias de otras personas en otras tierras y épocas.
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Educación a través del arte
El texto plantea diversas estrategias para desarrollar propuestas curriculares más efectivas a través del arte. Propone explorar un enfoque basado en proyectos para la formación de docentes en educación artística. El objetivo principal es estimular una reflexión sobre la educación artística y la cultura visual, proponiendo prácticas que se enfoquen en los métodos de enseñanza y aprendizaje, así como en la generación de nuevas formas de pensamiento, acción, sentimiento y percepción desde la experiencia personal de los individuos.
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La Historia del Arte
Desde Mesopotamia al Expresionismo abstracto y el Pop Art, Gombrich nos va desarrollando una historia apasionante del arte en Occidente a la vez que nos enseña a mirar y a hacernos las preguntas importantes delante de las obras. Maquetado de forma única (las imágenes de las obras se encuentran en la misma página en la que se mencionan) este libro hará que repasar siglos de obras maestras nos parezca un placer.
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Cuerpos que aparecen
Este libro analiza las implicaciones estético-políticas de la presencia del cuerpo en las prácticas performáticas de los últimos años de la dictadura franquista. La performance, como estrategia estética, puede convertirse en un espacio de resistencia desde el que torcer la lengua para interrumpir la literalidad del discurso e imaginar visualidades periféricas. El cuerpo cita. Cita a aquellos cuerpos que lo precedieron y también a aquellos que lo circundan. Cita distintos aspectos de la realidad, los materializa y les «da cuerpo». Citar es hacer aparecer en el presente las imágenes de unos actos y el relato de quienes los cometieron. Citar implica recuperarlos y repensarlos desde posicionamientos feministas que contribuyan a cuestionar la historiografía del arte contemporáneo en el Estado español.
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Delante de Las meninas
Una descomunal copia de Las meninas a tamaño real se instaló en el salón de un pequeño apartamento madrileño en la plaza de Tirso de Molina. Cada día y durante ocho años, Emilio Cendón, que estudió Bellas Artes pero decidió abandonar toda práctica artística, ha convivido con la infanta Margarita, con Diego Velázquez y con los reyes en el espejo para intentar entender por qué el pintor sevillano dedicó los últimos años de su vida a un cuadro que, aparentemente, no refleja más que una escena menor de la vida en palacio. A través del estudio de sus obras anteriores, del testimonio de la memoria de pinturas que Velázquez redactó explicando las obras de arte que atesoraba la corte española —como los caprichos de Tintoretto y Veronés— y del análisis de piezas de otros artistas, como Leonardo o Van Eyck, el autor recrea una investigación fascinante y obsesiva, casi policíaca, que consigue atar cabos y ofrecernos pistas para entrar en la mente de un genio de enorme influencia en el arte contemporáneo y lograr comprender, por fin, por qué y para quién pintó Las meninas. Este libro, personal y alejado de lo académico, es también una crónica de esos años en compañía de Las meninas, así como de los viajes para encontrar sus claves. Plagado de minuciosas reproducciones a lápiz hechas por el autor, este texto generará en el lector unas irrefrenables ganas de ir a El Escorial, a Milán, a Londres y, sobre todo, de volver a visitar el Museo del Prado para situarse delante de Las meninas… y que todo cambie.
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El arte urbano
Nicolas Gzeley es fotógrafo, autor, periodista y grafitero. Colabora con diversas revistas y libros especializados.Nicolas Laugero-Lasserre es director de la escuela icart, presidente fundador de la asociación Artistik Rezo y coleccionista de arte urbano.Stéphanie Lemoine, periodista y crítica de arte, enseña historia del arte urbano en la Universidad Panthéon-Sorbonne.Sophie Pujas es periodista en Le Point y escritora. Autora de tres obras sobre arte callejero.
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Breve historia del arte oriental
ISLAM, INDIA, SUDESTE ASIÁTICO Y EXTREMO ORIENTEConozca las grandes civilizaciones de Oriente: el Islam y su expansión por al-Ándalus, la península del Indostán, el Sudeste Asiático, la isla de Java y el Extremo Oriente. Un contenido imprescindible para adentrarse en el conocimiento de una de las más interesantes épocas de la historia del arte universal. Con Breve historia del arte Oriental el lector tiene la oportunidad de conocer las grandes civilizaciones asiáticas, desde Oriente Medio hasta el Asia Central. Recorrerá el enigmático subcontinente hindú y la maravillosa isla de Sri Lanka, pasando por el impresionante Sudeste Asiático y su conjunto de antiguas civilizaciones semi escondidas en la maraña de la selva (Tailandia, Myanmar, Camboya, Laos, Vietnam), hasta el Lejano Oriente, con las milenarias civilizaciones china y japonesa, además de la poética cultura coreana. Un contenido tan amplio como apasionante, imprescindible para adentrarse en el conocimiento de una de las más interesantes épocas de la historia del arte universal, que ejercen una innegable fascinación entre las gentes de Occidente por la grandiosidad de sus realizaciones arquitectónicas y su estética de permanente barroquismo y fantasía decorativa en constante horror vacui.
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Un dialogue entre l'Orient et l'Occident
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Guía completa de dibujo. Caligrafía, iluminación y lettering
Aprenda caligrafía, iluminación y lettering de forma rápida, segura y eficaz con este libro, una compilación única para principiantes y usuarios avanzados, para sumergirse en el fascinante mundo de la escritura.Conozca los conceptos básicos del arte atemporal de la caligrafía y las posibles variaciones de la escritura, a través de detalladas instrucciones para cada letra individual del abecedario.Incluye más de 50 alfabetos diferentes que muestran la enorme gama de variación en el manejo de letras mayúsculas y minúsculas, gracias, ascendentes y descendentes. Complementan esta información los valiosos datos sobre el espaciado entre letras y el diseño de las páginas, sin olvidar la utilización del color. Se presenta, además, todo lo que se necesita saber para escribir cartas de forma hermosa y creativa. Con numerosas fotografías paso a paso, información sobre materiales y tecnología y un apéndice con hojas para realizar ejercicios: el recurso perfecto para aquellos artistas que busquen pulir el estilo y la técnica.
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MiróMatisse. Més enllà de les imatges, catàleg de lexposició homònima concebuda per la Fundació Joan Miró de Barcelona i el MuséeMatisse de Niça, explora les relacions entre les obres dHenri Matisse i Joan Miró, uns vincles que restaven encara rela
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Mano de mujer
El hiragana es la escritura creada por las mujeres japonesas durante el período Heian para poder expresarse en su propia voz, cuando se les impidió aprender los kanji. Tras un breve repaso a la fascinante historia del antiguo Japón y el arte de la caligrafía, Mª Eugenia Manrique nos sumerge en el origen de esta escritura caligráfica libre y expresiva, entendida como iniciación al shodo «camino de la escritura», un arte que se describe como un medio para cultivar el ser interior, a través del cual se alcanza un estado meditativo de quietud mental y armonía. De manera detallada, el libro muestra las indicaciones necesarias para comenzar el aprendizaje del hiragana incluyendo los modelos de los 46 kana que lo conforman y finalizando con el antiguo poema iroha, reflejo del sentir de la impermanencia, en el cual se contienen sin repetición todas las sílabas del hiragana.
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Cómo combinar colores
A través de sencillas fichas, el diseñador gráfico y profesor de diseño japonés Haruyoshi Nagumo nos proporciona todo lo necesario para comprender cada color -características, historia, significados y usos-, entender cómo se comporta con otros colores y aprender a crear esquemas cromáticos que provoquen los efectos y sensaciones que buscamos en cada uno de nuestros proyectos. Una valiosa guía de color para escoger, usar y combinar colores básicos, acromáticos, dorados, plateados y fluorescentes.
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¿Quién tiene derecho al monumento?
Los monumentos son la materialización de las ideas dominantes y tienen su razón de ser en el poder económico. Donde el orden colonial y capitalista sigue intacto, al igual que sus conglomerados empresariales y oligarquías estatales, las plazas siguen dominadas por los «grandes hombres». La escasez de teorías radicales sobre los monumentos ha transformado la discusión sobre su conservación, resignificación y destrucción en una batalla ideológica. Frente a la defensa de la preservación de símbolos fascistas o coloniales, bajo el pretexto de «no borrar la historia», la iconoclasia popular y los (anti)monumentos subversivos reclaman su lugar para las luchas anticapitalistas, antipatriarcales y antiimperialistas. Al fin y al cabo ¿quién tiene derecho al monumento?
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El sketchbook de Loish, proceso creativo
Lois Van Baarle (Loish) recoge en este libro una mirada única de su proceso creativo y la importancia que desempeñan los bocetos en su obra. Descubre cómo la autora explora la gestualidad, la estilización y da vida a sus personajes utilizando diferentes técnicas tradicionales y digitales. El libro incluye detallados tutoriales sobre la construcción de personajes y paisajes que te mostrarán cómo Loish captura el espíritu de su obra final gracias a un exquisito trabajo preliminar. Déjate llevar por la magia de Loish a través de sus bocetos, de las obras de arte exclusivas que presenta en este libro y del capítulo especial donde se exploran los conceptos personales de la autora para ofrecerte una visión en profundidad de cómo sus ideas iniciales evolucionan hasta culminar en logrados diseños conceptuales. Inspirador y divulgativo, con El Sketchbook de Loish ¡desearás ponerte a dibujar! Libro estilo The art of con grandes dibujos
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Torna Javier Sierra amb un llibre apassionant i ple d'enigmes on es disputa quins han de ser els legítims guardians de l'art.El 1989 Javier Sierra va ser abordat a les sales del Museu del Prado per un estrany personatge que li va ensenyar a interpretar els símbols més ocults de l'art. Aquell incident va donar lloc a El maestro del Prado, on va compartir la visió d'aquell desconegut amb centenars de milers de lectors arreu del món. Sierra es va obsessionar amb aquell individu i ha passat mitja vida tractant de trobar-lo de nou. En el seu camí, ha descobert que hi ha un subtil «pla mestre» que dona a la invenció de l'art un sentit transcendental. L'art, juntament amb coneixements com l'agricultura, l'astronomia o la filosofia, ens van ser revelats per altres mestres misteriosos, els mestres instructors. Aquests tenen en comú que les seves idees han transformat la nostra espècie d'una manera profunda i irreversible. El seu particular mestre va formar part d'aquesta genealogia. Però qui són realment i quin és el seu pla per a nosaltres?
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Guía visual / Visual guide
Una guía visual a través de las 200 obras esenciales de la colección permanente del Museo Nacional del PradoEl Museo del Prado es uno de los lugares más prestigiosos y representativos de la historia del arte y de la cultura europea. En esta guía visual se reproducen doscientas obras esenciales de su colección permanente, piezas indudablemente ligadas a esta institución e imprescindibles en cualquier visita.Desde la escultura de la antigüedad clásica hasta las primeras pinturas del siglo XX, todas las corrientes artísticas, los géneros pictóricos y los grandes maestros de cada época están representados en este libro. Divididas por escuelas artísticas, las reproducciones de las 200 obras van acompañadas de sus créditos en castellano e inglés. Al final de la guía se incluye un índice onomástico para facilitar la búsqueda por artista.Esta guía será un recuerdo valioso para quienes han recorrido las salas del Prado y una invitación para aquellos que aún no han tenido la oportunidad de visitarlo, permitiendo a todos disfrutar de la belleza, calidad y excelencia de estas obras maestras.
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El libro de las sombras
«Arrancar estas páginas de la intimidad del diario (borrar las fechas) para emanciparlo del Libro de las sombras (ese libro secreto que todos escribimos, todo el tiempo, en nuestra imaginación) y mostrar así solo un fragmento, el detalle de una piedra, la evidencia de que justo ahí, alguna vez, sucedió un terremoto».Una frase subrayada en un libro que lleva a otro libro, y este a otro y a otro más, sueños propios y ajenos que se entrelazan formando una maraña, la sorpresa ante la escucha de una melodía que diluye el ensimismamiento. Este libro de las sombras lo levantan las casualidades que, en su conjunto, forman una casa —¿o es un cuerpo?—. Al adentrarnos en sus habitaciones, ponemos el pie en un laberinto de espejos donde la coincidencia con nuestras obsesiones nos devuelve una imagen de lo que somos o acaso creemos ser.En un delicado equilibrio entre el diario personal y el ensayo, la escritura de Galay reordena el caos de la paranoia cotidiana, busca un patrón, junta los fragmentos disonantes para darles forma y crea el itinerario de su propio mapa mental. En el centro se encuentran la idea de composición —de una pieza sonora, un edificio o un texto— y el azar como sustrato sombrío de las metamorfosis.
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Las Joyas En El Vestir De La Virgen
A lo largo de la historia las joyas no sólo han servido como elemento decorativo fruto del despilfarro o la frivolidad con las que alimentar la vanidad humana,sino que han sido y son objetos íntimamente ligadosa la vida de las personas por otras muchas razones. Se consideran como una fuente para la explicación de la sociedad, donde aspectos fundamentales en la consecución de los acontecimientos, como las relaciones sociales, comerciales o políticas, el comportamiento delos seres humanos, las modas y las tendencias, las costumbres o la propia religiosidad, quedan perfectamente reflejados en las mismas, pudiéndose comprender sus particularidades a través de ellas. Las alhajas hanactuado como testimonio primordial de devoción paralos fieles con respecto al caso particular de las imágenes marianas, así como de la religiosidad popular vista desde un punto de vista global. Para ello el exvoto ha jugado un papel imprescindible como herramienta de correspondencia y agradecimiento al favor recibido, tras las oraciones de súplica del fiel a la imagen venerada. Estos objetos ofrecidos a María, van a ejercer de complemento a la iconografía de la Madre deDios como Reina del Cielo, que junto con sus ricas vestimentas y el resto de aditamentos y atributos propios de su poder terrenal, ayudarán a presentarnos a laVirgen en Majestad, exultante, como Mujer perfecta yModelo de creyentes. AUTOR LUIS PRIETO SÁNCHEZ, es Arquitecto Técnico y Grado en Edificación por la Universidad de Sevilla. Es Gemólogo por el Instituto Gemológico Español y Artífice joyero por vocación. En la actualidad desarrolla su actividad profesional como Arquitecto Técnico, aunque comparte con Isabel un proyecto empresarial, la firma de joyas elOribe, de la queella es su ALMA MÁTER. La marca desarrolla sus colecciones siguiendo una línea de joyería contemporánea yactual, basada en piezas de plata y piedras de color. Sin embargo, se ha especializado en la restauraciónde alhajas antiguas. Actualmente combinan este trabajo con la realización del inventariado y catalogaciónde colecciones particulares de joyas, teniendo cierto conocimiento y un gran interés por la Joyería Histórica Española en general. Además, se prestan a participar en todo tipo de actos o colaboraciones que tengan que ver con el estudio, la conservación y la divulgación del mundo de la joyería histórica, siendo autores de varios artículos de investigación al respecto.ISABEL NÚÑEZ DÍAZ es Técnico Especialista en AnatomíaPatológica y en Prótesis Dental, con Máster en Cerámica Dental. Sin embargo, desde 2005 lleva a cabo su GRAN PASIÓN como creadora y diseñadora de joyas. Paraello se ha formado como sacador de fuego y modelista,con especialidad en engaste y grabado a buril. Además, tiene varios cursos de especialización en piedrasde color y diamantes
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El taller de Artemisia
Las mujeres reclaman su lugar en la historia de la pintura Para ver hay que mirar. Hasta ahora, en la historia de la pintura que nos han contado, las mujeres desempeñaban un papel menor: son solo musas, meros objetos a los que plasmar en el lienzo. Así, las grandes mujeres que ejercieron como artistas por derecho propio apenas se mencionan en una nota al pie, y sus figuras quedaron arrinconadas por las de sus colegas varones. Hemos oído hablar de Caravaggio y Monet, pero, aún hoy, nombres como Berthe Morisot o Remedios Varo no son conocidos por el gran público. En El taller de Artemisia, Sandra Ferrer, autora especializada en la historia de las mujeres, nos invita a descubrir la vida y obra de algunas de las mejores pintoras de los últimos cinco siglos. Viajaremos con Sofonisba Anguissola, dama de la reina Isabel de Valois y autora del retrato más famoso del Rey Prudente. Conoceremos la traumática experiencia de Artemisia Gentileschi, quien, violada y humillada por una sociedad que no creyó su testimonio, pintó audaces cuadros barrocos desde una óptica casi feminista. Recorreremos los grandes estilos del siglo XIX francés de la mano de Élisabeth Vigée-Lebrun, Rosa Bonheur y Berthe Morisot, y nos sumergiremos en el torbellino de las vanguardias y la modernidad junto a Paula Modersohn-Becker, Maruja Mallo, Tamara Lempicka, Remedios Varo y Frida Kahlo, entre otras grandes artistas. Hasta ahora, un velo ha cubierto los nombres de las mujeres pintoras: ha llegado el momento de alzarlo y contar su historia. Igual que Virginia Woolf reclamaba una habitación propia para las escritoras, Sandra Ferrer reclama su propio espacio para las pintoras en la historia del arte.
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Los mundos de Alicia. Soñar el país de las maravillas
La exposición Los mundos de Alicia. Soñar el país de las maravillas integra las múltiples visiones del personaje en los ámbitos de la literatura, el cine, las artes escénicas y las artes plásticas, y lo sitúa en un siglo XXI que ha borrado las fronteras entre la realidad y el mundo imaginario. Alicia aparece como una figura precursora: una niña con una gran curiosidad por todas las cosas, que desafía la lógica de las ideas inmutables y encuentra su camino en un mundo absurdo.
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El museo como Templo
¿Hacia dónde camina el museo del siglo XXI? Este ensayo hace un breve repaso de los orígenes y evolución del museo clásico desde el siglo XVIII al XXI. En ese recorrido se centra en la trasformación de la institución museística de templo de la cultura en centro que compite con el resto de la oferta de ocio de su ciudad, desdibujando los ideales que lo sustentaron en origen, mermando el potencial de comunión sublime que puede ofrecer el gran arte, y rindiéndose, además, al poder, las exigencias y manipulaciones de los nuevos cánones imperantes.
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Parcs de Catalunya és el resultat d’una passió. La passió de conèixer, d’explorar, de descobrir … I també és el resultat d’hores d’espera, de llargues caminades, de la pluja i el fred i de la brisa suau i carregada del dolç aroma de primavera. La passió de viure en contacte amb la natura, de sentir que formem part d’ella, de fondre’ns en el medi i sentir-nos petits en la immensitat del paisaje.Los parcs, que és com s’anomenen de forma genèrica els espais protegits, són les catedrals de la natura. Són els paratges en els quals s’expressa amb plenitud i on la podem sentir en l’aire que respirem i en la llum que ens cega. Si aquestes pàgines us encomanen només una mica d’aquesta passió, hauran valgut la pena les hores d’espera, les llargues caminades i el vent i el fred …
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The Amercian Art Book
«Una mirada espléndida no solo al arte estadounidense, sino también a la historia del siglo». – The Times Completamente revisada y actualizada, esta nueva edición del influyente volumen de Phaidon, The American Art Book, ofrece una mirada inigualable a la riqueza y diversidad del arte estadounidense.Abarcando más de tres siglos, este impresionante estudio narra la historia de un país a través de sus artistas más destacados, cada uno de los cuales ha sido cuidadosamente seleccionado por un equipo asesor de destacados curadores, historiadores y directores institucionales. Desde los primeros retratistas coloniales, las figuras más destacadas del impresionismo, los gigantes del modernismo, los innovadores del arte de la tierra y los íconos del arte pop hasta los visionarios contemporáneos actuales, cada artista está representado por una obra clave, un texto introductorio escrito por un experto en la materia y referencias cruzadas a otros artistas, lo que inspira nuevas conexiones a través de la historia del arte.Entre los artistas destacados se encuentran: Ansel Adams, Josef Albers, Diane Arbus, Ruth Asawa, Richard Avedon, Matthew Barney, Jean-Michel Basquiat, Romare Bearden, Alexander Calder, Vija Celmins, Frederic Edwin Church, John Singleton Copley, Gregory Crewdson, Helen Frankenthaler, Jared French, Felix Gonzalez-Torres, Robert Gwathmey, Keith Haring, Barkley L. Hendricks, Jenny Holzer, Arthur Jafa, Joshua Johnson, Henrietta Johnston, Alex Katz, Gaston Lachaise, Jacob Lawrence, Edmonia Lewis, Maya Lin, Man Ray, Ana Mendieta, Senga Nengudi, Nam June Paik, Jackson Pollock, Robert Rauschenberg, Jaune Quick-to-See Smith, Andy Warhol y Carrie Mae Weems.Asesores: Aleesa Pitchamarn Alexander, Kathleen Ash-Milby, Horace D. Ballard, David Breslin, Mel Buchanan, JR Henneman, Rujeko Hockley, Jonathan D. Katz, Franklin Kelly, Harper Montgomery, Lowery Stokes Sims, Juliet Sperling, Bradley Sumrall y Leslie Umberger
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Edición en inglésNueva edición del Libro del Prado en un nuevo formato y con todas las imágenes actualizadas por el Archivo Fotográfico del Museo Nacional del Prado. El Museo del Prado es el libro definitivo para conocer a fondo la colección de una de las pinacotecas más importantes del mundo. Reúne en un solo volumen unas 400 obras presentadas al lector cronológicamente, desde las esculturas romanas hasta las últimas pinturas de Sorolla, ya en los comienzos del siglo XX. El libro propone un diálogo entre los más importantes artistas y las obras maestras que crearon, cómo unos inspiraron a otros de la misma época o posterior, los nexos existentes entre géneros y escuelas, por ejemplo entre el Renacimiento italiano y el flamenco, o entre artistas de la talla de Velázquez y Rubens, etc. Es a través de ese diálogo constante entre maestros y obras como este libro nos muestra la evolución del arte en pinturas, dibujos, esculturas y artes decorativas. Una valiosa lección de la historia del arte resumida en la colección que conserva el Prado, a su vez conformada a través de los gustos de la Corona española a lo largo de varios siglos de coleccionismo. El Museo del Prado es una publicación indispensable en la biblioteca de cualquier amante de la historia del arte, un libro con grandes fotografías que recorre una de las colecciones más impresionantes y completas del arte antiguo europeo.
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Performance en el museo / El museo como performance
Una recopilación de pensamientos e investigaciones sobre las prácticas perfomativas y el mundo de la cultura contemporánea. Uno de los procesos más relevantes en el mundo de la cultura contemporánea ha consistido en el increíble auge de las prácticas perfomativas.Surgidas a mediados del siglo XX, pero con antecedentes en las vanguardias incluso antes, las performances se desarrollaron en todo tipo de espacios: calles, galerías, teatros, cines, universidades.No obstante, es muy reciente su introducción en los museos como espacios de consagración cultural.¿Qué tipo de transformaciones supone este traslado al museo de la performance?, ¿qué efectos produce en las obras y, más importante aún, hacia dónde apunta el museo de lo vivo? Nunca lo vivo ha estado tan presente en la museología contemporánea, un proceso que contrasta con la casi total desaparición de las iniciativas independientes que, hace no tanto, le sirvieron de plataforma.¿Qué modelos temporales e historiográficos permite y produce este auge del performance en el museo? ¿Es quizás el deseo de contener lo que se desvanece en el aire lo que genera nuevos modelos de mercancía fácilmente consumible, de inmediato museificable? Los seis ensayos que componen este libro abordan estas cuestiones desde diferentes puntos de vista incidiendo en la necesidad de abrir un debate que en la actualidad está modificando la concepción de las prácticas artísticas y las instituciones que las contienen.
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Exploradores, soñadores y ladrones
Un nuevo ejercicio de invención a partir del encuentro de la compleja historia de Europa y América. Exploradores, soñadores y ladrones es una aventura a través de la memoria y los archivos. Este libro es un nuevo ejercicio de invención a partir del encuentro de la compleja historia de Europa y América.Después del éxito de Volver a contar, el equipo curatorial del Museo Británico y del Hay Festival se unieron de nuevo para animar a diferentes autores a inspirarse en los objetos del museo.En esta ocasión, la propuesta es un poco diferente. Los creadores fueron invitados a revisar una serie de documentos etnográficos: una profusión de diarios, cartas, bocetos, reflexiones y transacciones, todos referentes al proceso de adquisición de obras. Partiendo de estos materiales, la premisa fue imaginar narrativas propias que tuviesen como protagonistas a aquellos que lograron que esas piezas llegaran al espacio museístico. El proceso produjo un resultado asombroso. Como siempre, la imaginación de los escritores llegó hasta lugares insospechados.Cualquier lector encontrará, en esta polifonía, un juego enriquecedor y provocador. El camino a través de estos relatos es similar al que emprendieron, algunos siglos atrás, los exploradores, soñadores y ladrones que inspiran este volumen.
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Described by Kenneth Clark as 'one of the most brilliant books of art criticism that I have ever read', Art and Illusion is a classic study of image-making. It seeks to answer a simple question: why is there such a thing as style? The question may be simple but there is no easy answer, and Professor Gombrich's brilliant and wide-ranging exploration of the history and psychology of pictorial representation leads him into countless crucial areas.Gombrich examines, questions and re-evaluates old and new ideas on such matters as the imitation of nature, the function of tradition, the problem of abstraction, the validity of perspective and the interpretation of expression: all of which reveal that pictorial representation is far from being a straightforward matter.First published more than 40 years ago, Art and Illusion has lost none of its vitality and importance. In applying the findings of experimental science to a nuanced understanding of art and in tackling complex ideas and theoretical issues, Gombrich is rigorous. Yet he always retains a sense of wonder at the inexhaustible capacity of the human brain, and at the subtlety of the relationships involved in seeing the world and in making and seeing art.With profound knowledge and his exceptional gift for clear exposition, he advances each argument as an hypothesis to be tested. The problems of representation are forever fundamental to the history of art: Art and Illusion remains an essential text for anyone interested in understanding the complexities of art.For the sixth edition Professor Gombrich has written an entirely new 12-page preface, in which he makes use of the distinction between an image and a sign, so as to clarify his intentions in writing the book in the first place.
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Aún aprendo
El dibujo nace con la mano, es ésta la que conecta los ojos con el carbón, el lápiz o la pluma, el muro o el papel: la mano es el instrumento de creación, sin manos es imposible dibujar. Lo advierte Henri Focillon en su ensayo Elogio de la mano: «Lo que distingue el sueño de la realidad es que el hombre que sueña no puede engendrar un arte: sus manos duermen». El dibujo es una de las actividades humanas más básicas pero que, al igual que el descubrimiento del fuego o la invención de la rueda, revolucionó la historia de la humanidad: en el dibujo es donde la idea encuentra su concreción. Para el artista el dibujo es su forma de expresión más íntima y espontánea, la que no está sujeta a un encargo ni tiene aún en mente la mirada del espectador. Es, según Artur Ramon, allí donde se funden el azar y el don.En este volumen, un viaje desde las cuevas de Altamira hasta el despliegue de las imágenes realizadas en arcilla por Miquel Barceló en los pasillos de la Biblioteca Nacional de París, nos invita a recorrer los entresijos de este gran arte menor, el que reduce la idea del creador a lo fundamental y constituye la prueba irrefutable de su calidad como artista. «Aún aprendo», reza la inscripción en uno de los últimos dibujos de Goya, en el que un anciano anda con gran dificultad apoyado en dos bastones, «Ancora imparo», responde un octogenario Miguel Ángel a alguien que se le acerca para elogiar sus trabajos en la Capilla Sixtina. Una lección reveladora que en los albores de un siglo incierto nos recuerda la importancia de cultivar la mirada como forma de aprendizaje.
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Instantánea de una nueva institución
Cincuenta y un términos muestran los distintos ensayos institucionales que el centro de artes Santa Mònica ha venido desarrollando en los últimos años, enfocados a repensar su estructura, naturaleza y función desde la práctica diaria. Estos términos, organizados en seis secciones, confeccionan un glosario necesariamente incompleto, no cerrado ni definitivo: una instantánea de una nueva institución que se basa en la porosidad hacia la acción colectiva, así como en una autointerrogación y transformación constantes.
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Arte degenerado. La exposición de 1937
La cancelación fallida del arte de las vanguardias.“Degenerado, judío y bolchevique.” Así definía Adolph Hitler el arte de vanguardia: el arte de Chagall, de Otto Dix, Paul Klee, Kandinsky, Picasso, Mondrian u Oskar Kokoschka.Con la finalidad de denigrarlas ante el arte del nuevo Reich, los nazis requisaron de colecciones privadas y museos públicos todo tipo de obras adscritas a los distintos movimientos artísticos de principios de siglo y las convirtieron en objeto de mofa en una exposición inenarrable: la exposición del “Arte degenerado” que, inaugurada en Múnich en julio de 1937, emprenderá luego un periplo por todo el país hasta convertirse en una de las exposiciones de arte más visitadas del siglo XX.Paradójicamente, con esta iniciativa, los nazis, antes que ''cancelarla'', acabaron cristalizando la modernidad contemporánea mucho mejor que cualquier otra manifestación artística.
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El kitsch
Aberración estética, entretenimiento visual, recurso irónico, simulación artística, escuela del gusto, exceso de ostentación, presencia constante...
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