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Llibres d'art
A Abacus disposem d'una gran selecció de llibres d'art per a despertar els dots creatius i artístics tant de nens com d'adults. Compra llibres d’art online. En la secció llibres d'art, trobaràs una àmplia col·lecció de bibliografia sobre una gran varietat de temes, com per exemple: l'origen i la història de l'art, el simbolisme, curiositats sobre els colors pantone, els principis bàsics del color i l'harmonització cromàtica o la museografia, entre altres disciplines artístiques. A més a més, disposem de llibres sobre llenguatge visual, estampació japonesa, per a fomentar la creativitat o per aprendre a dibuixar retrats, entre molts altres. Descobreix-los tots a Abacus!
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Historia del cine de animación Stop-Motion español 1912-1975
En nuestro remoto pasado fílmico no faltaron quienes se entregaron a la técnica stop-motion y se enfrentaron al arduo rodaje fotograma a fotograma pese a la escasez de recursos y la ausencia de reconocimiento. Para este estudio no se han escatimado esfuerzos: se han visionado cortometrajes en filmotecas, recurrido al archivo de RTVE, contactado con profesionales y familiares, buceado en bibliotecas y hemerotecas, etc. Esta encomiable labor de investigación, en verdad de arqueología fílmica, quiebra años de olvido historiográfico para sacar a la luz un pasado oculto y sorprendente, que arranca en el cine mudo, sigue en la Segunda República, se prolonga durante el franquismo y los albores de la televisión pública, hasta el advenimiento de la democracia.
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Teoría de la retaguardia
Hace cuatro décadas, Peter Bürger publicó su Teoría de la vanguardia, un libro de culto, concentrado en las dos tareas más importantes que demandaba entonces el arte: romper la representación y disolver la frontera que lo separaba de la vida. Fracasar en esta doble empresa habría certificado, según Bürger, la derrota de la vanguardia y quizá algo peor: su imposibilidad. Cuarenta años después, Teoría de la retaguardia es un manifiesto irónico surgido de ese fiasco, aunque no pierde el tiempo ni lamentándolo ni maquillándolo. Sobre todo porque aquí se entiende que nuestra época no está marcada por la distancia entre el arte y la vida, sino por una tensión entre el arte y la supervivencia, que es la continuación de la vida por cualquier medio. En el malestar que brota de esa supervivencia, Teoría de la retaguardia sospecha de un arte que va dejando sus esquirlas en la política, la iconografía o la literatura, ámbitos desde los que regresa cada vez más maltrecho a su Ítaca de siempre: el museo. Desde ese viaje de ida y vuelta, este ensayo mordaz y austero -en el que se tropiezan Duchamp con La Lupe, la revolución con el museo, Paul Virilio con Joan Fontcuberta o Fukuyama con Michael Jackson- se pregunta si el Arte Contemporáneo no se acaba nunca. Porque si fuera mortal, entonces habría que escribirle un final.
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Tratado de iconografía
El profesor Esteban Lorente ha realizado un trabajo sólidos y rigurosoque alude al significado profundo de la obra de arte desde unaperspectiva global histórica y artística en el ámbito del Occidenteeuropeo. Con un sentido investigador y didáctico renovador el autor nospresenta algo más que un simple manual. su vasto conocimiento en muchasparcelas del saber dota al libro de una proyección más amplia. Enpalabras de Gonzalo M. Borrás: Esta obra está destinada a convertirse enun clásico del temaDisponibilidad
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365 días de arte y naturaleza
La vida salvaje te rodea y es la inspiración perfecta para la creatividad, dondequiera que vivas.En 365 días de arte y naturaleza, Lorna Scobie te invita a observar y experimentar el mundo natural y a utilizarlo para inspirarte en tu arte todos los días. Ya seas principiante o un artista experimentado, Lorna te muestra cómo explorar y expandir tu potencial artístico a través de una variedad de actividades artísticas reflexivas y atractivas basadas en la naturaleza. Las tareas abarcan todos los entornos naturales, desde dibujar flores en tu hogar hasta estudiar paisajes, aves y animales en el exterior. Con citas inspiradas en la naturaleza y muchas sugerencias y consejos de apoyo, 365 días de arte y naturaleza encenderá tu imaginación y te ayudará a abrir los ojos a la belleza natural de nuestro mundo.
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Miró-Picasso aborde depuis différents angles les affinités artistiques entre Joan Miró et Pablo Picasso, deux artistes incontournables du XXe siècle, avec, en toile de fond, lamitié quils partagèrent pendant 50 ans.
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Hiroshige
El pincel de Hiroshige captó como ningún otro el encanto del paisaje japonés, en el que con frecuencia se asoma el monte Fuji, la cumbre más elevada del archipiélago nipón. Este volcán, cercano a la capital Edo (actual Tokio), era visible desde numerosas poblaciones y desde las principales carreteras del país. Por esta razón, tanto en sus vistas de Edo como en sus paisajes por las provincias, Hiroshige dibujó innumerables veces la inconfundible silueta del monte Fuji.Este libro presenta las estampas más destacadas de la producción de Hiroshige que tienen al monte Fuji como protagonista y, también, de manera integra, las dos series que el artista publicó bajo el título Vistas del monte Fuji en 1852 y 1858. En conjunto, este libro es una magnífica manera de adentrarse en el universo artístico de Hiroshige y conocer sus grandes obras maestras, que se elevan a la altura del monte Fuji.
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Estudio de arte
Está a punto de embarcarse en un viaje creativo por el mundo del arte, desde el antiguo Egipto y la Italia renacentista hasta la India mogol y la Australia aborigen, pasando por Leonardo y Lichtenstein, Miguel Ángel y Miró. A lo largo del camino podrá adm
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Siete manifiestos Dada
Zurich, 1916. En plena guerra mundial, las oscuras callejuelas y ruidosos tugurios de este ciudad suiza acogen a una nutrida flota de refugiados políticos, agentes secretos, jóvenes objetores renuentes a marchar al frente, artistas, literatos y poetas exiliados. Entre todos ellos, un grupo de amigos encabezados por el rumano Tristan Tzara da a conocer el movimiento Dada en una serie de manifiestos. Su lugar de reunión es el mítico Cabaret Voltaire, en el número 1 de la Spielgasse, frente al domicilio de Lenin y Krupskaia. Tzara, Arp y Schwitters, entre otros, juegan al ajedrez con el revolucionario ruso por la tarde, y por la noche se entregan a la rebelión espiritual contra una sociedad responsable de haber transformado Europa en una inmensa carnicería. Tal vez ningún otro movimiento espiritual haya pretendido renovar el arte y la literatura desde unos presupuestos tan radicales y subversivos como los que alientan en cada uno de estos siete manifiestos.
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Arte infantil: actividades de expresión plástica para 3-6 años
Mary Ann Kohl Este libro contiene más de 200 procesos completos de experiencia artística, ordenados por estaciones del año. Los trabajos, perfectamente descritos y secuenciados, pueden utilizarse del modo más conveniente para cada contexto.
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Cómo leer pinturas
Una accesible e informativa guía sobre el arte pictórico desde el siglo XV al XXI que le permitirá desarrollar las habilidades y conocimientos necesarios para disfrutar de los diferentes estilos pictóricos. Toda la dilatada experiencia de Liz Rideal transmitida, de una manera sencilla y amena, en el detallado análisis de 50 obras de la pintura universal.
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Sobre los artistas. Estuche 2 volúmenes
Siempre he detestado que digan que soy crítico de arte. Así presenta John Berger esta antología completa de todos sus ensayos sobre artistas. Y ciertamente sería poco fiel a la realidad reducir a la categoría de crítico de arte a uno de los intelectuale
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Toiles de cauchemar, dont jamais on n’avait vu les équivalentes dans la peinture. Si réels, et si sauvages, avec une sorte d’accent à demi caricatural qui double l’horreur de la scène, les Désastres de la guerre sont des impressions, des visions brèves et globales de l’effroi, où le détail ne joue que pour en multiplier l’effet, une apparition fulgurante qui semble jaillir de la nuit pour y rentrer aussitôt. Si le mot de “ visionnaire ” n’avait existé, il eût fallu le créer pour désigner l’art de Goya. Et si le “ réalisme ” était autre chose qu’un mot, c’est peut‐être Goya qui nous eût contraints de l’insérer dans notre vocabulaire. Il est le plus grand visionnaire du réel qui ait sans doute existé.
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Historia del dibujo y la ilustración
El dibujo ha sido durante siglos una práctica desdeñada, perseguida o relegada a los márgenes del arte. Sin embargo, mientras los grandes museos llenaban sus salas de óleos monumentales, generaciones de dibujantes e ilustradores creaban las imágenes que han dado forma a nuestra memoria colectiva. Carlos Cubeiro, experimentado ilustrador y profesor, traza un brillante recorrido por maestros y épocas, desde los anónimos miniaturistas medievales hasta los innovadores artistas del siglo xx. La primera historia de un arte que, pese a su omnipresencia en nuestra vida cotidiana, ha permanecido invisible en los grandes tratados. A través de estas páginas desfilan los autores que redefinieron la ilustración científica, los maestros que elevaron la caricatura a arte de guerra, las creadoras que abrieron caminos prohibidos y los visionarios que transformaron el libro infantil. Profundiza en figuras esenciales como Dürer, Blake, Doré o Steinberg, analiza fenómenos como el impacto del ukiyo-e en el arte occidental y explora territorios poco transitados: los pliegos de cordel, las revistas satíricas, los cuadernos de viaje o la ilustración de los grandes clásicos literarios. El recorrido abarca desde la abadesa Herrada de Landsberg, primera directora de arte, hasta las revolucionarias portadas del Saturday Evening Post o The New Yorker. Examina el trabajo de los ilustradores científicos que dieron cuerpo al conocimiento, los caricaturistas políticos que sacudieron conciencias, y artistas como Edward Gorey o Roland Topor, que crearon universos visuales únicos. Un libro riguroso y exhaustivo que destaca la relevancia histórica de la ilustración y el dibujo, reivindicando su merecido lugar en la historia del arte. La línea y el trazo no son meros instrumentos subsidiarios, sino lenguajes primordiales que han dado forma a nuestros sueños, que nos devuelven a ese instante de asombro, ese momento preciso en que una línea sobre el papel deja de ser una marca para convertirse en una ventana a otros mundos. Esperamos que al recorrer estas páginas sienta ese cosquilleo especial que surge cuando un libro nos hace ver el mundo con ojos nuevos, porque esta historia es, en el fondo, la historia de cómo hemos aprendido desde niños a ver, a imaginar y a soñar.
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Cómo dibujar la figura humana en sencillos pasos
Aprenda a dibujar la figura humana en distintas poses y actividades. Hombres, mujeres, niños y adultos toman forma en esta guía paso a paso. Incluso los principiantes podrán crear grandes dibujos y los artistas con experiencia encontrarán mucho en lo que inspirarse. SUSIE HODGE es una apasionada de la enseñanza del arte e imparte talleres y da clases de Historia del Arte desde hace más de 17 años. Ha escrito e ilustrado numerosos libros de dibujo. También trabaja para la Royal Academy, la Tate (National Gallery of British Art) y el Victoria and Albert Museum realizando folletos y catálogos para visitantes, profesores y estudiantes. Vive en Westcliff-on-Sea, Essex.
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Arte
Descubra la historia de los movimientos artísticos desde las obras de laAntigua Grecia hasta el Renacimiento italiano, los prerrafaelistas y losmaestros del impresionismo con una nueva edición de este clásicosuperventas.Descubra la historia de los movimientos artísticos desde las obras de laAntigua Grecia hasta el Renacimiento italiano, los prerrafaelistas y losmaestros del impresionismo con una nueva edición de este clásicosuperventas. Con unos contenidos verdaderamente globales, Arte nosexpone las obras maestras de más de 700 artistas entre los que seencuentran Leonardo da Vinci, Picasso o Van Gogh. Es una valiosísimaobra de referencia para cualquier amante del arte, un libro que nosmuestra visualmente las obras todo, desde la pintura del Barrocoitaliano y el arte africano hasta la historia del arte contemporáneo.Descubra las claves de los movimientos artísticos más prominentes,incluidos sus orígenes e influencias, y siga la línea temporal de susobras más valiosas. Inspírese con los detalles de cada materia tratada ycon los métodos utilizados por cada artista para crear sus obrasmaestras, y explore siglos, culturas y países al embarcarse en estedefinitivo viaje artístico a través del tiempo. Creada en colaboracióncon Bridgeman, la mayor biblioteca de arte del mundo, Arte. La historiavisual definitiva es una obra que todo el mundo debetener en sucolección de libros.
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Síntomas culturales
A Erwin Panofsky (1892-1968) se le debe la sistematización de una metodología de trabajo, el método iconográfico-iconológico, que es uno de los puntales más sólidos de la disciplina y uno de los grandes logros intelectuales del siglo XX. Panofsky, alemán
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Maestras antiguas
Este libro, realmente pionero, ofrece un desafío radical a una Historia del arte en la que no abundan lasmujeres. La crítica que las autoras hacen del sexismoen la disciplina conduce a nuevas lecturas ampliadas, inclusivas, del arte del pasado. A lo largo de suspáginas, ponen de manifiesto cómo las cambiantes realidades histórico-sociales de las relaciones de género, así como la transposición que de las condiciones degénero hacen las mujeres artistas en sus obras proporcionan claves para comprender bajo una nueva luz porqué y cómo podemos estudiar el arte del pasado. Y van más allá, para mostrar cómo este conocimiento nos permite entender el arte de artistas contemporáneas que son mujeres, contribuyendo así a cambiar el trabajocreativo y la percepción que de sí mismos tienen hoydía los artistas.
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Zen, Tao y Ukio-E
El tao, los jardines zen, la pintura a la tinta, lacaligrafía, los haikus o La gran ola de Hokusai se encuentran en el origen de los movimientos vanguardistas del siglo xx, de la arquitectura moderna, de las performance de artistas tan icónicas como Marina Abramovic o Yoko Ono o del arte urbano de Banksy. Encorsetados por academicismo decimonónico, los artistas occidentales necesitaban un nuevo lenguaje para expresar el imaginario contemporáneo y lo encontraron en la fusión de las vanguardias artísticas con la filosofía, la estética y las tradiciones centenarias de Asia Oriental, que insuflaron una nueva vida a la creatividadartística de Occidente. Pilar Cabañas y Matilde Ariasrastrean estas interacciones creativas y nos ofrecenuna investigación multidisciplinar y detallada sobrela decisiva influencia que el taoísmo, el budismo zen y el ukiyo-e han ejercido en las representaciones artísticas de Occidente.
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Escrito por un reconocido artista y profesor experto, The art of Still Life ofrece un enfoque integral y contemporáneo que enseña a los artistas los fundamentos y las técnicas avanzadas necesarias para dibujar y pintar con éxito.Además de las impresionantes pinturas de Casey, se incluye la obra de más de cincuenta maestros, tanto del pasado como del presente, lo que convierte al libro en un práctico manual práctico y un tesoro visual de algunas de las mejores obras de bodegón de la historia y de la actualidad.
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Kader Attia: Un Descenso al Paraíso—A Descent into Paradise
La exploración de Kader Attia sobre las complejidades de la experiencia poscolonial resuena con las discusiones contemporáneas sobre identidad cultural y narrativas históricas.Las exposiciones en el MUAC de Ciudad de México y en el Museo Amparo de Puebla presentan un enfoque artístico multidisciplinario, ofreciendo instalaciones, esculturas y obras multimedia. muac.unam.mxSus obras han sido exhibidas en importantes instituciones internacionales como el MoMA de Nueva York, el Tate Modern de Londres y el Centre Pompidou de París, reflejando su influencia global y la relevancia universal de sus temas. Durante años, Kader Attia ha investigado cómo las sociedades comprenden su historia, especialmente en relación con experiencias de privación, supresión, violencia y pérdida, y cómo estas experiencias influyen en la evolución tanto de naciones como de individuos, todos entrelazados por una memoria colectiva. Su obra articula erudición y crítica, al adentrarse en la experiencia poscolonial y revelar los vínculos profundos entre trauma y estética en la historia moderna. Attia desafía las visiones convencionales sobre culturas, tradiciones y objetos, proponiendo la reparación como una fuerza social y estética fundamental dentro del entramado global. Este catálogo de la exposición presenta una narrativa concisa pero profundamente sugestiva del trabajo más reciente del artista, atravesada por una lectura político-teológica del concepto de modernización. A través de sus obras, Attia entrelaza historias que abordan cuestiones tan diversas como el animismo o las formas de creatividad que emergen en contextos marcados por la colonización. Estas piezas evocan imágenes de redención provenientes de múltiples tradiciones espirituales, al tiempo que desmantelan críticamente los mitos fundacionales de la modernidad.
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Cuaderno íntimo inspirado en Frida Kahlo
Con la sensibilidad y genio de un artista, Frida logra en su diario personal construir para sí misma un camino de autoconocimiento y liberación, utilizando imágenes y palabras, e integrando múltiples formas de expresión: asociación libre de ideas, garabatos, collages, dibujos, pinturas, poemas, cartas, narraciones y relatos -realistas y fantásticos- de su propia vida. Inspirados en el diario de Frida Kahlo, creamos este Cuaderno íntimo, con la intención de ofrecer un espacio de encuentro con uno mismo a través del arte. Este libro no pretende ser un manual técnico para hacer arte, es una invitación a la reflexión, a la creatividad y a la renovación personal.
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Guía visual de la arquitectura en la Edad Media II
Arte. Grandes temas Cátedra
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Publicar
Publicar inaugura una línea editorial del departamento de Educación del MACBA surgida del día a día de las prácticas educativas en relación con el arte contemporáneo y los museos. Este primer número del Quadern d’educació abre un tiempo para pensar lo vivido, distribuir lo aprendido y contemplar la edición como práctica artística y pedagógica. De esta manera, fanzines, pegatinas, mapas conceptuales, libros-álbum y hashtags emergen como gestos que nos hacen reflexionar sobre cómo, por qué y para quién se hace público lo educativo.¿Por qué publicar? ¿Cómo hacerse público? ¿Qué se ha publicado hasta ahora? Un conjunto de ensayos propone posibles respuestas a estas preguntas. Aida Sánchez de Serdio Martín rastrea la educación en museos mediante una genealogía de pensamiento y referencias, Macarena García y Belén Soto exploran canales concretos para el «publicar». La primera con un texto que indaga en un artefacto singular, el libro-álbum desafiante y, la segunda, abre el significado del «publicar» en el contexto de internet y las redes sociales, Lluc Mayol y Alba Oller hacen un recorrido por la experiencia de Massa Salvatge con procesos editoriales entendidos como trabajos educativos o a la inversa, procesos educativos que son también editoriales, y Camila González Simon centra la mirada sobre los fanzines como medio que construye comunidad a través de lo creativo y lo pedagógico. Finalmente, un conjunto de imágenes con notas al pie, que utilizan como pretexto distintas actividades del departamento de Educación del MACBA, se intercalan a lo largo del cuaderno como herramienta de trabajo para pensar esas mismas preguntas.
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Bestiaria
En El libro de los seres imaginarios, Borges y Margarita Guerrero ofrecen una sugerencia a los lectores: «Este libro no ha sido escrito para una lectura consecutiva. Querríamos que los curiosos lo frecuentaran, como quien juega con las formas cambiantes que revela un calidoscopio». Y Bestiaria recoge esta invitación. A la manera de Herbaria (Libros del Zorro Rojo, 2024), este volumen propone una exploración visual y simbólica de la naturaleza, en este caso del reino animal. Inspirado en los antiguos bestiarios —aquellos compendios ilustrados que, más que estudiar a los animales con rigor científico, extraían de ellos significados morales y espirituales—, Bestiaria celebra la convivencia entre lo real y lo imaginario, un terreno donde la biología se confunde con el mito. El primer bestiario, editado en Alejandría entre los siglos II y III d.C., fue el germen de una tradición que despuntaría en la Edad Media. Aunque no se les tuviese en mayor estima durante la Ilustración, estos libros ilustrados desempeñaron un papel crucial en una época en la que la imagen servía como medio de transmisión de conocimiento. Bestiaria explora diferentes estilos: clásicos, fantásticos, monstruosos. A lo largo de sus páginas conviven seres fabulosos, monstruos y animales extintos. Cada sección presenta una rica variedad de obras que abarcan desde ilustraciones medievales hasta creaciones contemporáneas que utilizan técnicas mixtas que incluyen pintura, grabado e ilustraciones. Esta diversidad técnica y estilística refleja la evolución de la representación del mundo animal en el arte, desde la antigüedad hasta nuestros días. He aquí un caleidoscopio animal que invita a curiosear y celebrar el vínculo entre la animalidad y lo fantástico.
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La pericia caligráfica en obras de arte
Entras en un museo y te sumerges en siglos de historia. Las cartelas identifican obra, autor, técnica y cronología, sin embargo, una mezcla de intuición y curiosidad te asalta. Te detienes ante una obra firmada... y una pregunta te atraviesa: ¿Y si la firma fuera falsa? La genuidad de una obra de arte se presupone, pero a veces se tambalea, y en ese cuestionamiento o proceso de expertización intervienen expertos, técnicos y peritos que desnudan la pieza, sus colores, su estilo, su procedencia, su composición y también el gesto gráfico que encierra la identidad del artista. Este libro, precisamente, revela las claves para descifrar ese lenguaje silencioso que se esconde en una firma. Con un enfoque que une la grafonomía, la técnica pericial y el conocimiento de la historia del arte, la autora guía al lector por los métodos, retos y trampas que acechan al experto cuando se enfrenta a la obra de un gran maestro. Desde las falsificaciones burdas hasta las más sofisticadas, pasando por los errores más comunes y las estrategias de los falsarios, aquí se desvela un mundo donde la observación y la paciencia son tan valiosas como la experiencia. Un manual imprescindible para peritos, coleccionistas, restauradores y amantes del arte que quieran adentrarse en la investigación más minuciosa de todas: aquella que persigue la verdad de un trazo. Mireia Hernández Esteban. Licenciada en Filología Clásica y Consejera Superior en Ciencias Forenses, ejerce como perito judicial en el ámbito de la documentoscopia y la pericia caligráfica. Desde 1998, se ha especializado en el análisis de firmas en obras de arte, aportando su experiencia en casos de autentificación y detección de falsificaciones. Ha publicado tres libros de referencia en el campo de la lingüística y la pericia forense: Lingüística Forense Básica. Metodología para la atribución de autoría (2016), Plagio y Lingüística Forense (2022) y Violencia y lenguaje escrito (2024).
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Lenguaje secreto de las plantas
* La naturaleza nunca ha sido tan vibrante. Contemple la belleza y el poder del mundo natural, desde volcanes y mares tempestuosos hasta bosques resplandecientes y estrellas fugaces. * Esta observación guiada de la naturaleza ofrece una forma totalmente nueva de contemplar el mundo. * Un increíble compendio de la historia del mundo que nos rodea, contada a través de pinturas, dibujos, esculturas, textiles y artes decorativas. Este libro, que ofrece una refrescante perspectiva de análisis visual de la tierra, el agua y el cielo, destaca los motivos, colores y temas que se repiten y que han cautivado a los artistas a lo largo de la historia. «Ver lleva tiempo, igual que tener un amigo, también lleva tiempo». Georgia O'Keeffe
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Estética artificial
La inteligencia artificial ha irrumpido en nuestras vidas con una fuerza arrolladora. Y el auge de la IA generativa está afectando también a un ámbito que cabía pensar a salvo de su influencia: el de la creación artística. Nuestros conceptos habituales de estética o diseño están cambiando, nos vemos obligados a cuestionarnos la naturaleza del acto creativo, de la autoría, de la idea de originalidad. ¿Será posible que las máquinas generen una estética propia?Partiendo de una larga experiencia teórica y práctica en este campo, y con un enfoque multidisciplinar que va de la filosofía y la psicología del arte a la teoría de los medios o la ciencia de datos, este apasionante libro ofrece una sorprendente y esclarecedora visión de conjunto de un tema de máxima actualidad que, sin embargo, está dominado por generalidades y lugares comunes. Un texto que da un vuelco radical a cualquier idea preconcebida que el lector pudiera tener al respecto.
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Bob y Leo. Una conversación entre Robert Rauschenberg y Leo Castelli
Bob y Leo recoge la conversación pública mantenida en Madrid en 1985 entre el artista norteamericano Robert Rauschenberg y su marchante, Leo Castelli. Grabada, pero hasta ahora inédita, aquella charla inauguró la primera exposición de Rauschenberg en España, en la Fundación Juan March, y constituye un valioso testimonio del vínculo intelectual y humano que unió a ambos.En estas páginas, ampliamente ilustradas, asistimos a un intercambio cómplice que desborda el anecdotario y recorre más de treinta años de la trayectoria del artista. Las réplicas de ambos, cargadas de humor y sonoros silencios, abordan las evoluciones del arte tras el expresionismo abstracto, el papel que las galerías jugaron para las nuevas estéticas y también los modos —a menudo imprevisibles— a través de los cuales se abre paso la carrera de un artista.Lejos de cualquier mitificación, Bob y Leo. Una conversación entre Robert Rauschenberg y Leo Castelli nos devuelve la reflexión, la duda y la ironía en las voces de dos de los protagonistas de toda una época.
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