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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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Colección Manga Style 09 TSUBAKI La colección Manga Style de Ominiky Ediciones es una serie de publicaciones que reúne obras de artistas internacionales y nacionales con un enfoque claro en el estilo manga. Esta colección tiene como objetivo promover trabajos que combinan la narrativa visual y artística característica del manga japonés, pero adaptada a las sensibilidades y perspectivas de autores de todo el mundo. En general, los títulos de esta colección se caracterizan por: Arte y narrativa de inspiración manga: Aunque muchas obras están realizadas por artistas que no son japoneses, respetan las técnicas, diseños y temáticas comunes del manga, como los personajes estilizados, las emociones intensas y las historias visualmente dinámicas.
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Este volumen explora la producción artística de LygiaClark durante la primera década de su carrera, en lase dedicó a la creación de pequeñas pinturas en blanco y negro y de esculturas, constantemente experimentando con nuevas técnicas, gracias a lo que llegó a ser una importante figura de la vanguardia brasileña.
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La obra de Carlos Pérez Siquier (1930) destaca en elpanorama español e internacional como pieza fundamental en la forja de la modernidad fotográfica y la profesionalización del medio en España, en primera instancia desde postulados próximos al neorrealismo y, másadelante, como pionero de la fotografía en color. Enambas vertientes, Pérez Siquier actúa desde una privilegiada posición liminal y con una mirada singular, plenamente consciente de su autoría a pesar de haber partido desde una concepción intuitiva de la fotografía, lejana de cualquier formación académica. Premio Nacional de fotografía en 2003, el fotógrafo ha creadoun corpus fotográfico que se adentra de manera tangencial y al tiempo profunda y mordaz en los debates desu momento.
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Se conoce con el nombre de pre-code a ese periodo de la historia de Hollywood, de 1929 a 1934, en el que el cine fue realmente libre. Mujeres con poder, parejas de hecho, hijos ilegítimos, adulterio, prostitución, guiños homosexuales, drogas… formaron parte de modo insistente del cine de aquellos años. Este libro pretende dar a conocer esta fascinante y sorprendente etapa del cine norteamericano a través de sus películas. Todo lo que Hollywood no podría después mostrar hasta bien entrados los años sesenta, ya se hacía en los años treinta.
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Un libro imprescindible que toda compañía teatral ya sea amateur o profesional, debería tener en su biblioteca antes de iniciar un nuevo proyecto. Por que en él se pueden encontrar todos los elementos necesarios- tanto técnicos como artísticos- para poner en marcha un espectáculo. Como plantear un calendario de ensayos, la iluminación, el papel del escenográfo, como manejar el ego de los actores…Como escoger el texto apropiado La composición del equipo artístico. ¿Qué profesionales debe haber en el equipo técnico? Trabajar a partir de la improvisación.
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«Hay que hacer camino ignorando todo lo que sabemos, para tener -al menos- la oportunidad de conocernos un poco más. El cuerpo no es sólo un medio ni un instrumento: es el objetivo.» Ante la incertidumbre y el miedo a lo desconocido, Andrés Corchero propone la modestia: aceptar que no sabemos hacia dónde debemos ir y confiar. Así aparece la intuición y nos indica el camino para seguir adelante. Este bailarín, coreógrafo y docente, que ha dejado una impronta imborrable en la cultura coreográfica de nuestro país, tuvo que marcharse a Japón para encontrar a sus maestros, Min Tanaka y Kazuo Ohno, con quienes aprendió a bailar arraigado en el cielo tanto como en la tierra y se hizo consciente de la constante mutabilidad del paisaje y de la vida incluso más allá de la muerte.
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Linde
«On la ciuta! canvia de nord -Canyelles, Ciutat Meridiana, Torre Baró, Vallbona- vol dir, també i sobretot, vent sud, orgull de barri, apologia del vincle i quotidianitat en comú. Tan lluny del no-res dels aparadors i tan a prop de tot plegat», escriu el periodistai activista David Fernández en el pròleg del llibre.Aquest és el retrat que han fet els fotògrafs ArnauBach i Myriam Meloni de quatre barris de Barcelona. Un passeig artístic i sociològic per uns indrets de laciutat, moltes vegades oblidats, però plens de vidai que omplen d'orgull els veïns i les veïnes que en formen part.
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A primera vista, las acuarelas de animales a gran escala tan sumamente detalladas recuerdan a los grabados de los ilustradores del siglo XIX John James Audubon y Edward Lear. Una segunda mirada más de cerca, sin embargo, revela un complejo universo perturbadoramente antropomórfico, lleno de símbolos, bromas pícaras y alusiones a la cualidad ''operística'' de la historia natural tradicional.En este universo visual asombroso y siniestro a un tiempo, las bestias y los pájaros no son meros objetos estéticos sino más bien actores dinámicos en batallas alegóricas: un pavo aplastando a un pequeño loro con sus garras, una colección de monos causando estragos en una mesa formalmente dispuesta, o un búfalo rodeado por una manada de lobos blancos ensangrentados. Las imágenes, deslumbrantes acuarelas, impresionan tanto por su impecable realismo como por su complejo contenido.Disponible originalmente en edición limitada y firmada, este volumen actualizado de Pancha Tantra es el estudio más exhaustivo de la obra de Ford hasta la fecha, que incluye más de 20 nuevas obras del artista. Ofrece detalles deslumbrantes, una exploración en profundidad de su universo visual, una biografía completa y extractos de los textos que le sirvieron de inspiración: desde cuentos populares indios y las cartas de Benjamin Franklin a la Autobiografía de Benvenutto Cellini y la Ornithological Biography de John James Audubon.
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Para las polifacéticas Hannah Höch y Lu Märten, las reflexiones sobre estética, política o sociología solían ir acompa-ñadas de un gato ovillado en el regazo y un ramo de flores sobre la mesa. La honestidad, el lirismo y el sentido del humor caracterizan su pensamiento agudo y su escritura, sin tapujos a la hora de visibilizar temas que, a un siglo de distancia, siguen siendo de plena actualidad. En el centro de sus preocupaciones están la situación de las mujeres en el arte y en la sociedad, la precariedad, la aventura de dedicarse a trabajos de creación y la importancia que ambas conceden a la actividad artística en el contexto de la lucha por unas condiciones vitales más amables y justas. La artista y la escritora eran amigas (con gatos), y esta selección de documentos da muestra de sus muchos puntos en común, así como de su papel decisivo en el entramado intelectual y artístico del agitado Berlín de entreguerras.
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Una de las más importantes artistas de la música norteamericana de las últimas décadas habla por primera vez abiertamente de su vida.El ascenso a la fama de Lucinda Williams ⸺tres veces ganadora del Grammy⸺ no fue fácil. Criada en una familia de clase trabajadora, en el profundo sur de los Estados Unidos, ella y sus hermanos tuvieron que mudar de pueblo en pueblo hasta vez que su padre ⸺el poeta Miller Williams⸺ consiguió, por fin, un trabajo fijo como profesor en la universidad de Arkansas, totalizando más de una docena de diferentes lugares durante toda su infancia y adolescencia entre los que se encuentran Louisiana, Mississippi, Georgia, Utah, Nueva Orleans, Chile o México. Sobre el papel, una educación ideal para la artista en la que se convirtió: una música nómada itinerante cuyas canciones se inspiran en profundas raíces sureñas, utilizando imágenes prácticas para conjurar emociones tempestuosas.En No le cuentes a nadie los secretos que te conté, Williams nos cuenta abiertamente las circunstancias que dieron forma a su música, desde el salón familiar hasta agotar entradas en el Radio City Music Hall. Revelando cuales fueron las inspiraciones de sus inolvidables letras, incluidos los amores condenados al fracaso. Pasó años trabajando como dependienta en tiendas de discos durante el día para poder tocar su música por la noche, y se enfrentó a compañías discográficas, que no se tomaban en serio su rol de mujer en el mundo de la música. ''demasiado country para el rock y demasiado rock''. Pero su espíritu de lucha perseveró, y la llevó a un éxito ganado con esfuerzo que abarca diecisiete nominaciones al Grammy y un legado como una de las compositoras más grandes e influyentes de nuestro tiempo.
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An illustrated reader featuring a collection of essays from trailblazing curator and writer Helen Molesworth – the first book of her collected writings.Over the past three decades, Helen Molesworth’s singular voice and lively curatorial vision has established her as one of the most dynamic and influential voices in the art world. This generously illustrated reader – the first ever collection of her writings – presents 24 essays from the past 30 years, gathered from exhibition catalogs and art publications such as Artforum, Documents, frieze, and October. The volume opens with a new essay that lays out Molesworth’s belief in art’s unique capacity for merging knowledge and feeling. It also includes new critical and reflective commentary on her past writing, an innovative approach that will position Open Questions as an indispensable volume for viewing and thinking about contemporary art for generations to come.
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Ante la complejidad de la vida: afinidad de inquietudes y actitudes del artista y el filósofo ¿Qué tienen en común Francisco de Goya, considerado ''el más filósofo de los pintores'', con el llamado ''filósofo de los artistas'', Arthur Schopenhauer? ¿Pueden existir entre dos autores profundas afinidades que, prescindiendo de las coincidencias en el espacio y en el tiempo, remitan a una comunidad de inquietudes y actitudes? Goya fue un pintor muy poco académico, que se adentró con sus creaciones en las honduras del alma humana. Y lo mismo puede afirmarse de Schopenhauer en su condición de filósofo: un pensador atípico que se movió mejor entre imágenes que entre conceptos, prefiriendo comprender a explicar.Ambos arrojaron la sonda en las profundidades abismales de la existencia, no encontrando otro fondo que el de una extraña y oscura voluntad.
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Doctor Who: Cinco Doctores es la guía definitiva para los apasionados de la icónica serie de televisión británica. Este completo compendio abarca todos los episodios de Doctor Who, desde su regreso en 2005 hasta la actualidad. Repleto de datos interesantes, esta guía te presenta una breve sinopsis de cada episodio, pero su verdadero valor radica en desvelar innumerables curiosidades y detalles detrás de cada uno de ellos. Ya sea para revivir tus episodios favoritos o para mantenerte al día con los últimos acontecimientos en el universo de Doctor Who, esta guía es un recurso esencial que te mantendrá intrigado y entretenido, sin que te pierdas ni un solo detalle de esta compleja serie.
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Con esta publicación se ha querido poner a disposición de la sociedad el excelente material fotográfico que había formado parte de la exposición La ciudad despierta. Oviedo/Uviéu en la colección fotográfica del Muséu del Pueblu d’Asturies, 1858-1978, celebrada en la Sala de exposiciones Banco Sabadell-Herrero de la ciudad entre diciembre de 2020 y febrero de 2021. Una exposición con la que su comisario, Francisco Crabiffosse Cuesta, y su impulsor, Juaco López Álvarez, director del Muséu del Pueblu d’Asturies, rendían homenaje a Francisco Quirós Linares, quien fuera maestro de geógrafos y fundador del Departamento de Geografía de la Universidad de Oviedo, así como pionero del coleccionismo fotográfico en Asturias e impulsor de su difusión como fuente de conocimiento geográfico.Pero también se ha querido exprimir al máximo el valor que tienen las fotografías como fuente documental para el conocimiento de los paisajes geográficos ovetenses. Así, los autores del libro, una vez clasificadas, han utilizado las fotografías para escribir textos explicativos de la historia ur bana de la ciudad, de los principales paisajes surgidos en ella entre finales del siglo XIX y mediados del XX, así como de algunas de sus piezas urbanas más significativas.Con todo ello, el libro se constituye en una excelente guía para todos los interesados en conocer el significado y la razón de ser de la mayor parte de los espacios urbanos más representativos de la ciudad.
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Una breve pero magistral historia del arte, desde la prehistoria hasta nuestros días, por el aclamado filósofo Michel Onfray, que da las principales claves para entender y conocer el arte.«El arte contemporáneo es un lenguaje que necesita la misma iniciación que cualquier otra obra de arte, sea del siglo que sea. Del mismo modo que no resulta fácil entender el retrato de Luis XIV de Hyacinthe Rigaud Rigaud si no se conoce la simbología de la época, no se puede entender el ramo de tulipanes de Jeff Koons si no sabemos nada de su lucha LGBTQ+ en nuestro tiempo. Me gustaría guiarte desde los primeros vestigios del arte (Chauvet, hace 40.000 años) hasta el famoso ramo de Jeff Koons (2019), o en otras palabras, de la prehistoria hasta nuestros días, para luchar contra los que afirman que el arte ha muerto, que la Belleza que siempre ha establecido la ley dejará de serlo, y que consideran que deberíamos tirar a la basura todo el arte contemporáneo. La Belleza ha sido una inquietud reciente y efímera en la historia del arte: duró entre la invención de la palabra ''estética'' en 1750 de la pluma de Baumgarten y la de la fotografía en 1826. Argumentar, por tanto, que, porque el arte contemporáneo ha dejado de ser Bello, que ya no sería legítimo hablar de arte, es un disparate.» Michel Onfray.
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Este es un relato sobre el Museo del Prado construidoa partir de textos del pintor Ramón Gaya. Se han utilizado dos libros suyos. En ellos se han espigado cuidadosamente frases aisladas para tejer esta historiaque narra cronológicamente la vida del pintor y su relación con el Museo, contada en primera persona. El conjunto nos permite adentrarnos en El Prado guiados por alguien que lo amó profundamente.
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Recuperamos un análisis cultural del arte referente tanto para profesionales como para individuos interesados en la materia.En La invención del arte, Larry Shiner nos invita a reconsiderar la historia del arte en su conjunto, y sostiene que algunas de las ideas que todos tenemos de dicha historia (como que el arte comenzó en la Antigua Grecia o en el Renacimento) son, en realidad, invenciones modernas, y que la línea que separa el arte y la artesanía fue producto de las cruciales transformaciones que se dieron en Europa durante el siglo XVIII. También muestra cómo el sistema moderno sostiene su hegemonía asimilando a los artistas y a los músicos que le ofrecen resistencia y trazando una estricta distinción entre artistas y artesanos, arte culto y artesanía.
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Aprende a dibujar con confianza la figura humana de la cabeza a los pies con esta guía completa y ricamente ilustrada.El experto instructor de dibujo y artista de guiones gráficos Tom Fox sabe exactamente cómo capturar la figura en posturas dinámicas fieles a la anatomía humana. El libro detalla técnicas fundamentales del dibujo esenciales para artistas de todos los niveles. Aborda todo lo que el lector necesita saber antes de ponerse a dibujar la figura: la comprensión de los ejes XYZ, los elementos fundamentales del esqueleto y el espacio 3D, la creación de maniquíes con varios niveles de detalle, la forma de añadir los músculos y la representación de posturas creíbles.Cada parte del cuerpo se presenta en detalle, con desgloses fáciles de entender de la cabeza, el torso, los brazos, las piernas, las manos y los pies, que suelen ser complicados. Además, el autor comparte sutiles consejos de anatomía aprendidos tras años de trabajo para clientes importantes de la inia del entretenimiento y mientras enseñaba a dibujar la figura humana, tanto en persona como por Internet.
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Pepe Espaliú es una de las figuras clave del panorama artístico de finales del siglo XX, así como un pionero en la lucha por la visibilidad de las personas con VIH en nuestro país.En una época en la que el silencio social e institucional con respecto a la pandemia del sida era sinónimo de muerte, este artista cordobés se convirtió en la primera persona pública en verbalizar en España su estado a través de un medio de comunicación. El artículo que publicó en El País el 1 de diciembre de 1992 fue acompañado de su famosa intervención artística Carrying, una acción que evidenció la necesidad de las personas con VIH de sentirse apoyadas tanto por su entorno como por los organismos públicos, que en aquellos momentos miraban hacia otro lado.Pero este libro no solo celebra al gran artista que fue Pepe Espaliú. También es un lugar para testimonios personales, algunos de ellos alejados del eurocentrismo reinante, además de para enunciar otras formas de representación cultural del VIH con artistas como Alberto Cardín, las Yeguas del Apocalipsis, Wojnarowicz o La Radical Gai, entre otros.Pepe Espaliú. Visibilidad, experiencias y construcciones culturales en torno al VIH es una obra que pretende reivindicar el papel del arte en la lucha contra el silencio y darle su lugar dentro de la memoria histórica de las minorías. No en vano, estas expresiones artísticas fueron la semilla, en colaboración con otras disciplinas, para que muchas personas, incluso hoy, hayan conseguido plantarle cara al estigma que acompaña al VIH.
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Undécimo volumen de la colección de ''Ensayos sobre Arquitectura y Cerámica'', desde la Cátedra Cerámica MadridEn este undécimo volumen de la colección de ensayos, que la Cátedra Cerámica de Madrid viene desarrollando desde el curso 2007-2008, y con el ánimo de continuar estudiando y analizando el material cerámico como imprescindible en la Arquitectura, se compila en esta edición una serie de reflexiones en relación al material cerámico y al espacio arquitectónico generado a través del mismo.Esta edición recoge el trabajo de diferentes arquitectos que trabajan la cerámica desde diferentes puntos de vista, ampliando y multiplicando de esta forma el campo de interés de un material completamente arraigado en la arquitectura, con unas aportaciones que extienden su conocimiento aunando valores históricos, técnicos y espaciales.
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Frente a la estabilidad y parálisis propias de la abstracción intelectual, la casa arde para mostrarnos, finalmente, que toda entidad es efímera.La casa en llamas nos habla de casas y de incendios, de casas vascas y de incendios epistemológicos. La propuesta de su autor es arrasar con las abstracciones que piensan la casa más allá de las vidas de sus habitantes. Ubicada en el Valle de Araotz (Oñati, Gipuzkoa), esta etnografía presenta los encuentros particulares que dan forma y vida a varios caseríos de la zona. A lo largo de la misma acompañamos las decisiones vitales y los acontecimientos vividos por sus protagonistas, pero también a los autores que a lo largo de más de un siglo han hecho del baserri o caserío vasco y de sus moradores una idea central del imaginario vasco.Con este trabajo, Ion Fernández de las Heras aviva y revitaliza uno de los campos clásicos de la antropología vasca, los estudios en torno a la casa, y les otorga un lugar dentro de los debates contemporáneos de la disciplina. La antropología está hoy más preocupada por establecer marcos de conocimiento que den cuenta de sus propios hábitos y convicciones -de “descolonizar el pensamiento”, expresión de Eduardo Viveiros de Castro-, que de “comprender las buenas y malas maneras indígenas”, como decía Bronislaw Malinowski. Los estudios sobre la casa vasca no habían trascendido esta finalidad clásica, que omitía el contexto ideológico, o el proyecto civilizador -nacional en este caso-, implícito en toda tarea de investigación.
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Modigliani es sobre todo un pintor de retratos: es un retratista.''Lo que busco no es lo real, ni lo irreal, sino lo Inconsciente, el misterio de la instinctividad del ser, decía a propósito de sus retratos, o también: ''Los personajes de Cézanne, como las estatuas antiguas, no tienen mirada. Los míos, por el contrario, ven: ven aunque no les pinte las pupilas.''Este libro recoge retratos que Modigliani pintó de sus amigos y recuerdos que de Modigliani escribieron sus amigos.
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La esperada gran obra oficial, de referencia y totalmente autorizada sobre Bob Dylan, una leyenda viva y una de las figuras más emblemáticas de la música de las últimas seis décadas.Bob Dylan. Mixing Up the Medicine es la obra magna que todos los fans de Bob Dylan han estado esperando desde los años 60. Profusamente ilustrada con cientos de fotografías inéditas y abarcando desde la infancia de Dylan en Hibbing, Minnesota, hasta el Premio Nobel de Literatura y la actualidad, se trata de un tesoro que promete ser de gran interés para los fans musicales de Bob Dylan, así como para un amplio público cultural. Hace varios años se reveló la existencia de un tesoro escondido que contenía unos 6.000 manuscritos originales de Bob Dylan. ¿Su destino? Tulsa, Oklahoma. Los documentos, tan esenciales como intrigantes -borradores de letras de canciones, fotografías inéditas, cuadernos de notas y diversos objetos privados- constituyen uno de los archivos culturales más importantes del mundo moderno. El libro se centra en el alcance completo de la vida profesional de Dylan, en particular desde la perspectiva dinámica de sus procesos creativos continuos y cambiantes, desde sus primeras grabaciones caseras a mediados de la década de 1950 hasta Rough and Rowdy Ways (2020), su grabación de estudio más reciente, y hasta la actualidad.
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Espejo crítico de nuestro tiempo, el arte contemporáneo juega un papel crucial para cuestionar nuestra realidad histórica y plantear los problemas filosóficos de la sociedad actual. Por medio de un estilo ameno y elegante, y valiéndose de ensayos que parten del arte y recorren otras disciplinas, Pol Capdevila nos sumerge en algunos de los dilemas filosóficos acerca del tiempo y nos muestra cómo afectan al desarrollo de nuestras vidas y de nuestra cultura. Espectros del tiempo penetra en debates trascendentales sobre nuestro tiempo histórico, tales como la tiranía del reloj, la aceleración de nuestras sociedades, el desvanecimiento del pasado y la sensación generalizada de un fin de la historia. En un constante diálogo filosófico con el arte contemporáneo, Pol Capdevila recorre las contradicciones y crisis de sentido de las sociedades contemporáneas, haciendo partícipe al lector de las dimensiones de la tragedia. ¿Por qué la experiencia del presente ha perdido su consistencia? ¿Podrán el pasado, el presente y el futuro articular una relación productiva, que permita hacer avanzar la historia? ¿Podemos entender el tiempo como algo que se construye colectivamente, en lugar de padecerlo bajo la forma de una dramática finitud? A través de un enfoque que combina la hermenéutica del arte y la filosofía del tiempo, Espectros del tiempo es una obra fundamental para entender la relación entre el arte, la historia y nuestra experiencia temporal en la sociedad contemporánea.
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Descubre el mundo íntimo de las Maiko de la mano de la mayor experta en los Hanamachi de Kioto y en la cultura de las geishas.Los hanamachi —literalmente, «ciudad de las flores»— son los barrios en los que residen y trabajan las geishas: un pequeño universo donde el tiempo parece haberse detenido, un lugar en el que perviven antiguas tradiciones y en cuyas calles se respira el arte y la belleza de la milenaria ciudad imperial de Kioto. La fama de los hanamachi ha trascendido las fronteras de Japón y hoy en día estos pintorescos barrios son conocidos en todo el mundo atrayendo a miles de turistas. Las maiko —aprendices de geisha— son su símbolo y, ataviadas con sus coloridos kimonos, recorren sus calles, acuden a eventos y reciben formación e instrucción en las artes y las tradiciones más antiguas de Japón.
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Estas páginas analizan el papel que la experiencia, la acción y la improvisación jugaron en las interacciones entre el jazz y las artes, fundando así nuevos modos articulados de pensar y hacer el arte y de afrontar la vida.Dichos procedimientos se desarrollaron en entornos urbanos alternativos (Harlem, Greenwich Village, Saint-Germain-des-Prés, Haight-Ashbury…) y en diversas comunidades reflexivas y creativas (Black Mountain College, New School for Social Research, Hollywood…), construyendo nuevos cauces simbólicos que contribuyeron a superar la tradicional antinomia entre la alta cultura y la cultura popular.Igualmente, esas interrelaciones tuvieron lugar en un contexto internacional caracterizado por la génesis de la sociedad posindustrial, la lógica geopolítica de la Guerra Fría, el impacto de la migración intelectual y artística Europa - EE. UU. (1930-1960), la pujanza global de la cultura afroamericana y la emergencia de los nuevos movimientos sociales y culturales, entre otros procesos relevantes.
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Recopilación de los textos que acompañan a los principales proyectos de uno de los arquitectos fundamentales de la segunda mitad del siglo XX.Este libro recoge las memorias de los proyectos de Aldo Rossi que él mismo escribió durante su actividad profesional. Para Rossi, escribir las memorias era una oportunidad para dar forma a una reflexión sobre un lugar determinado, una realidad histórica o una circunstancia, haciendo uso de un estilo narrativo totalmente personal y lleno de la misma fuerza comunicativa y emocional que encontramos en sus bocetos y dibujos. Estos escritos ofrecen la oportunidad de descubrir qué pensaba el arquitecto de sus proyectos y qué caminos tomaba a la hora de abordarlos. Al hojear estas páginas y observar los bellísimos dibujos, muchos de ellos inéditos, que las acompañan, es posible conocer aspectos inéditos e impredecibles de los proyectos y las obras que marcaron la carrera de Rossi.
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El universo de la banda de metal más famosa del mundo a través de la parte más importante y trascendental para cualquier fan de la música: sus letras.Más de 40 años después de su formación y tras 125 millones de álbumes vendidos, Metallica sigue siendo la banda más grande de metal rock. Se ha escrito mucho sobre el grupo, pero El sentido de Metallica es el primer libro que se adentra profundamente en los contenidos y el significado de sus letras. Sus poderosos riffs de guitarra y su contundente batería son legendarios, pero las letras de Metallica están a la misma altura que la intensidad de sus canciones. El cantante, James Hetfield, escribe poesía rock sobre la muerte, la guerra, la adicción, la alienación, la corrupción, la desesperación, la rabia, el poder, la religión, la justicia, la locura y otros temas trascendentales. Indignado en «And Justice for All», desconsolado en «Mama Said», enamorado en «Nothing Else Matters», triunfante en «Escape» o avergonzado en «King Nothing», Hetfield pinta un cuadro de emociones con mano maestra. Sutiles pero no oscuras, sus letras merecen especial atención. Y como gran maestro de la narrativa, consigue que sus seguidores se sientan identificados por un amplio abanico de personajes, desde un Dios vengativo hasta un adolescente suicida, pasando por la clásica crisis de la madurez.
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Guion escrito por Isabel Peña y Rodrigo Sorogoyen
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Apocalipsi uuuuuuuaaaaaaa
El mètode Albert Serra segons Jaume C. Pons Alorda. «Caos. Descontrol. Desorganització. No planificació. No forçar. Improvisar i enregistrar aquesta lassitud. El punt bàsic de viure en la crisi constant, el desordre absolut. Qualsevol cosa pot passar en qualsevol moment, per tant cal estar atent sempre. No hi ha talls. No hi ha principi ni final. Des del primer dia es filma tot. Els no-actors haurien d’estar caracteritzats i a punt sempre. No són actors, són titelles. No hi ha interpretació sinó creació. Una personificació. I obeeixen la crueltat de la dictadura de l’art fins a les màximes conseqüències. Tals són les ordres del gran magnànim Serra. I això és perquè l’art exigeix sacrificis.» És a l’Albert Serra que hem d’agrair l’encert d’encarregar a Jaume C. Pons Alorda aquest magnífic writing of de la pel·lícula Història de la meva mort, guardonada amb el Lleopard d’Or al Festival de Locarno i reconeguda com una de les millors pel·lícules de l’any per The New Yorker, que també destaca la interpretació de Vicenç Altaió en el paper de Giacomo Casanova.
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Un proyecto que parte del archivo fotográfico histórico de un diario local español de los años 30, dedicado a personalidades públicas de la época. Dicha colección de rostros es el punto de partida a través del cual un algoritmo denominado G.A.N. desarrolla un proceso de generación automática de una coleción de nuevascaras, imágenes fotorealistas de personas que no existen.
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Conozca cómo son los mundos surgidos de la imaginación de los mejores creadores del cine, la literatura y el cómic.En este libro, las calles de Minas Tirith son tan reales como cuando Aragorn reinó como Rey de Arnor y Gondor podráspasear por Hogsm
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EL SÉPTIMO VOLUMEN DE LA NUEVA COLECCIÓN DE LIBROS ILUSTRADOS SOBRE LAS PELÍCULAS DE HARRY POTTER Adéntrate en el apasionante mundo del quidditch, el deporte favorito del mundo mágico, y descubre todos los secretos del impresionante Torneo de los Tres Magos de las películas de Harry Potter. Lleno de preciosas ilustraciones y fotografías de los rodajes, y con comentarios de los cineastas, este libro nos muestra cómo se desarrollaron estas actividades para poder disfrutar de ellas en la gran pantalla.
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DESCUBRE LA INCREÍBLE HISTORIA TRASLA CREACIÓN Y EL LEGADO DE UNO DE LOSPERSONAJES MÁS QUERIDOS DE STAR WARSContrabandista. Forajido. Héroe de la rebelión. Andrajosopastor de nerfs. A Han Solo lo han llamado de todas estasmaneras y muchas más de
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Els fonaments de la interpretació
_Els fonaments de la interpretació_ va dirigit a les persones que volen iniciar-se en la interpretació actoral, sigui en escoles o per lliure, i a professors de la matèria. El mètode d'interpretació que es descriu en aquest llibre i la seva didàctica van ser desenvolupats i sintetitzats a l'Escola Superior d'Art Dramàtic Ernst Busch de Berlín a partir dels conceptes de Bertholt Brecht, Konstantín Stanislavski i Keith Johnstone. El llibre aporta un bon nombre d'exercicis pràctics de gran eficàcia, ja que, al llarg de dècades d'ensenyament, s'han anat depurant, consolidant i adaptant a les necessitats dels estudiants actuals. «Tenim la convicció que la intuïció creativa de la interpretació només es pot desenvolupar sobre la base del coneixement, és a dir, si hi ha l'estructura. [...] Aquest llibre ofereix una descripció i un catàleg d'exercicis que intenten aportar claredat i estructura al treball dels fonaments.»
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LA SECUELA DEL POP-UP SUPERVENTAS:LA GUÍA POP-UP DE HOGWARTSLos espectaculares desplegables pop-up llenos de detalles recreanestablecimientos como Ollivanders, Sortilegios Weasleyy El Caldero Chorreante, pero también otros lugares como elMinisterio de Magia o el Andén Nueve y Tres Cuartos.¡Pop-ups ocultos saltan a la acción con solo tirar de una pestaña!¡Ayuda a Harry a salir del callejón Knockturn, explora lascámaras acorazadas de Gringotts, rescata un dragón IronbellyUcraniano y más!Disfruta del libro página a página o despliégalo totalmenteconvirtiéndolo en una increíble recreación tridimensional delcallejón Diagon y alrededores de más de un metro de largo.¡Es el primer pop-up jamás creado con esta forma de desplegarse!También incluye más de una docena de personajes de papel paracolocar en los escenarios. Repleto de momentos alucinantes ysorpresas escondidas, este nuevo hito de los libros pop-up esperfecto para la colección de cualquier fan de Harry Potter.
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