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Llibres de crítica literària
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Aristófanes, Esopo, Las mil y una noches…, Las pequeñas historias maliciosas relativas al amor y el sexo son universales. Incluyen sátira con motivos diversos, rasgo de ingenio, premios, castigos y enseñazas. Cuentos eróticos que tienen siempre una raíz común, normalmente griega, adaptados posteriormente a las distintas culturas y enseñanzas y que contribuyeron, que duda cabe, a través de cuentistas como Chaucer o Boccaccio al nacimiento de la novela moderna. Infidelidades, amantes, maldades, vicios, amores, astucia y violencia. Historias populares, universales y perennes traducidas por el premio de las Letras Rodríguez Adrados e ilustradas por Antonio Mingote.
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Las novelas se comportan como virus o parásitos: buscan contaminar al mayor número posible de lectores y, para lograrlo, están condenadas a luchar apasionadamente entre sí. Desde la publicación de El Quijote, las novelas infectan y contagian y a veces se convierten en auténticas epidemias. Jugando de modo provocador con este enfoque evolutivo, Volpi coloca estos organismos literarios bajo la lente del microscopio a fin de estudiar su naturaleza y revelar su enorme poder de adaptación. De la obsesión neurótica de Orson Wells por los personajes de Cervantes a los vínculos entre la novela y la ciencia, y del desenmascaramiento irónico de los estudios académicos a la feroz denuncia de los clichés, Mentiras contagiosas repasa las no siempre sencillas relaciones entre ficción y realidad. Al final, Volpi reflexiona sobre la genealogía de la narrativa latinoamericana, desde Rulfo hasta Pitol y desde Fuentes hasta Bolaño y, en una premeditada denuncia, se declara enemigo de toda clase de fronteras y se arriesga a imaginar la suerte de sus generaciones futuras.
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El autor de En busca de Klingsor y No será la Tierra refrenda su voluntad de entrelazar ciencia y literatura. Esta obra demuestra que todos somos ficciones y que la literatura es una de las claves de nuestra identidad individual y nuestras pasiones compartidas. «La ficción nos enseña a ser humanos.» ¿Qué pasa en mi cerebro cuando leo una novela o un cuento? ¿Cómo y cuándo aparecieron? ¿Qué parte de la mente inventa las anécdotas felices o los desenlaces trágicos? ¿Por qué sufrimos o gozamos con los personajes de los relatos y de qué forma nosotros, los lectores, nos transformamos en esos personajes? ¿No es acaso el yo nuestra mayor invención? En este brillante y provocador ensayo, Jorge Volpi destierra la vieja idea de la ficción como entretenimiento y sostiene, por el contrario, que las novelas y los cuentos han sido esenciales para la evolución de la especie humana. Del descubrimiento de las neuronas espejo al origen de la conciencia y las emociones, y de las trampas de la memoria a los laberintos de la inteligencia...
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Todas las claves para disfrutar de la mejor literatura La creación de un espacio subjetivo, que trasciende el plano geográfico para instalarse en el del símbolo, es una de las conquistas de la novela moderna. Víctor García de la Concha explora en este estudio el espacio simbólico en cinco novelas magistrales del siglo XX: La casa verde, de Mario Vargas Llosa, Cien años de soledad, de Gabriel García Márquez, Madera de boj, de Camilo José Cela, Volverás a Región, de Juan Benet, y Sefarad, de Antonio Muñoz Molina. Cinco novelas en las que la palabra de sus creadores conforma lugares construidos a base de metáforas que adquieren su dimensión definitiva en la imaginación del lector, cuando se mueve por ellos y los interpreta. En palabras del autor, «lejos de ser un mero recipiente, el espacio se convierte en un molde activo y fecundo de significado. Sustenta y expresa ideas, sensaciones y sentimientos, dialoga intertextualmente con otros espacios de categoría análoga, y, maridado con el tiempo, se eleva por encima de la cronología particular del relato del que forma parte y proyecta al lector al espacio de los universales: de la anécdota a la categoría».
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Haciendo eco de la riqueza de teorías filosóficas, tendencias y movimientos de fin de siglo, el autor gallego sacraliza la belleza como centro del universo. Musicalidad, belleza, amor y ética son los cuatro pilares sobre los que se alza el pensamiento estético de Valle. Una pieza clave para comprender el complejo entramado teórico que alimenta la obra de uno de nuestros escritores más geniales.
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Uno de los análisis más exhaustivos y profundos de la obra de Joyce. Publicado primero como parte integrante de Obra abierta, en 1962, y luego, en 1982, en Italia, como obra independiente, revisada y ampliada por el propio Eco, el presente ensayo supone el punto de fusión del interés del autor por la estética medieval y por las corrientes de vanguardia que rompieron brutalmente con toda la tradición anterior. Es así que el presente ensayo aborda la estructura poética y lingüística de una de las obras más complejas e influyentes de la contemporaneidad, el Ulises de James Joyce. Las poéticas de Joyce no es solo un análisis profundo y exhaustivo de la novela, sino un estudio imprescindible de la teoría literaria de los últimos cien años.Reseña:«Uno de los pensadores más influyentes de nuestro tiempo».Los Angeles Times
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En el panorama del ensayo español contemporáneo no abundan los textos dedicados a la literatura comparada, es decir, que se atrevan con el enorme esfuerzo metodológico que supone manejar, además de varias literaturas, un ingente material que aúna múltiples disciplinas, que van de las ciencias humanas y sociales a la filosofía. Podemos, pues, felicitarnos doblemente por cuanto no sólo presentamos uno de los ensayos más ambiciosos y exigentes que se hayan escrito en nuestro país en los últimos años, sino porque su autor, Claudio Guillén, es una autoridad en la materia, reconocida internacionalmente. El índice de Múltiples moradas bastaría ya para seducir tanto al lector curioso como al especialista, pues por sus páginas no sólo desfilan los grandes nombres y las tendencias o estilos de la literatura universal, sino que la mirada crítica del autor es capaz de iluminar territorios específicos de las humanidades: el dolor del exilio en la literatura, el surgimiento de la noción pictórica del paisaje, la idea de la obscenidad en el erotismo clásico, la evolución del género epistolar, el nacimiento de los nacionalismos literarios. . . «Lo que me ocupa es la historia literaria, lo que me preocupa es la forma de pensarla», escribe, en efecto, Guillén en el prólogo. «Creo que esta forma, lo repito, es una experiencia común, errante, vagabunda, compartida con muchos, desarrollada en varios campos por los historiadores, críticos investigadores, no todos contemporáneos, que más admiro y a los que todo debo.»
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La Biblia en la literatura española, dirigida por Gregorio del Olmo Lete, investiga de manera sistemática la influencia que ha ejercido la Biblia en la historia de la literatura española, en sus diferentes épocas y autores. La obra se organiza en tres tomos, correspondientes a la Edad Media (en dos volúmenes), a la Época de Oro y a la Modernidad. Al margen de la consideración doctrinal del contenido y valor religioso de la Biblia, ésta se hizo presente desde el primer momento en el arte y la literatura. Tanto el arte religioso cristiano como las literaturas «profanas» aparecen impregnados por la presencia de los textos y los temas bíblicos. El estudio de «la Biblia como literatura», surgido en el siglo XVIII, ha dado paso actualmente al interés por el estudio del influjo de la Biblia en la literatura, a la que le ha suministrado una serie de historias, figuras y escenas que han actuado como arquetipos muy productivos, no sólo en el ámbito de la creación literaria, sino de la artística en general. Este primer tomo, dedicado a la Edad Media y coordinado por María Isabel Toro Pascua, analiza la presencia de la Biblia en la literatura medieval en dos vertientes netamente diferenciadas. Se trata, por un lado, de la Biblia como fuente de arquetipos y modelos, de argumentos e imágenes que nutrieron el imaginario de todo el mundo cristiano, que supo convertirlos en literatura. Por otro lado, la Biblia se presenta como fuente autoritativa, tanto en el aspecto filológico como en el histórico y el doctrinal. Los estudios correspondientes se distribuyen por tanto en dos volúmenes: uno que agrupa los géneros estrictamente literarios (poesía, drama, ficción) y un segundo que recoge los que definen a la Biblia como fuente de autoridad (textual, histórica y dogmático-moral).
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Recopilación de artículos de Philip Roth. Las entrevistas, ensayos y artículos reunidos en este volumen cubren un cuarto de siglo de la distinguida carrera del autor norteamericano. Roth habla de sí mismo, de su obra y de las controversias que ha engendrado. Estas páginas también contienen sus escritos sobre los autores de Europa oriental por los que siempre ha abogado, sobre béisbol, la narrativa norteamericana y los judíos estadounidenses.
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LOS hermanos Machado no habían dicho aún su última palabra. Durante demasiado tiempo, considerados como enfrentados y opuestos entre sí, su obra común e indivisible, es decir, su obra dramática, había sido leída con insuficiente atención e incluso con no poco desdén. Los mismos y escasos estudiosos que la abordaban no la tenían, por lo general, en mucho. En este ensayo, Enrique Baltanás, que ya había recuperado la figura del padre, Machado y Álvarez, con la edición de sus Obras completas (2005) o, poco después, ofreciendo una atinada visión de conjunto en Los Machado. Una familia, dos siglos de cultura española (2006), nos descubre un teatro hasta ahora sepultado por un triple prejuicio ideológico, estético y filosófico. Sin seguir ninguna teoría novedosa (estructuralista, semiótica, freudiana, marxista?), sino sencillamente escuchando los textos, leyéndolos con atención, dejándoles decir lo que dicen, este teatro aflora como una de las más importantes dramaturgias españolas, si no la que más, de la primera mitad del siglo XX. Por su calado filosófico y su complejidad moral, por su penetración psicológica en la conformación de sus personajes, por su altura artística, por su mensaje inequívoco y preciso, antiguo y renovado: sólo el amor nos salva.
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Hemos reunido en un mismo libro a cuatro de los más destacados e influyentes escritores vivos contemporáneos: Paul Auster, Enrique Vila-Matas, Barry Gifford y Jean Echenoz. ¿Y sobre qué trata este libro? Sobre el placer de la impostura, el difícil arte de la imitación o la sana reinvención del «plagio». En otras palabras, sobre el escritor y su sombra: el impostor. Enrique Vila-Matas y Jean Echenoz intercambian suculentas opiniones sobre el papel de la impostura en sus respectivas obras, en una concepción cruzada de la literatura que no elude el juego, la apropiación, la autoficción, la cita… El escritor norteamericano Barry Gifford se hace pasar por el pintor alemán August Macke. En abril de 1914, los artistas Paul Klee y August Macke viajaron a Túnez y allí escribió Klee un breve diario que publicó poco después. Pero según todos los indicios, el diario de Klee no reflejó lo que verdaderamente ocurrió aquellos días, sino lo que Klee querría que hubiera ocurrido… Tras la traducción de las páginas de este diario al castellano, el lector encontrará un relato de Barry Gifford que recrea el supuesto diario de esos mismos días de August Macke (que el artista nunca escribió), en el que volvemos a leer la misma historia que nos relata Klee… con algunas diferencias significativas. Paul Auster se apropió en su día de diversos episodios de la vida de la artista francesa Sophie Calle para crear el personaje de Maria en su libro ''Leviatán''. A raíz de este hecho, Calle le propuso a Auster que repitieran el juego, pero invirtiéndolo: le propuso que creara un nuevo «personaje» al que ella misma se acomodaría durante un periodo de su vida. La creación por parte de Auster de este personaje y la crónica de la vida real de ese ser de ficción encarnado por Calle dieron lugar al libro ''Gotham Handbook. Nueva York: instrucciones de uso'', que presentamos por primera vez en castellano dentro de este volumen.
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«En las manos de nuestros niños, el sombrero y el río vuelven a cobrar la importancia que la ficción les pide. Los elementos se amansan y se ensalzan y sobre todo se adaptan a las verdaderas necesidades de la representación. La historia se termina y la ficción comienza. Sin enfrentamiento alguno. La escritura ni roba ni exige, sencillamente emplea aquello que le es útil. Sin establecer un conflicto. La historia se sabe a salvo de la ficción porque ya ha sucedido plenamente. La ficción no debe nada a nadie porque aún está por suceder.Y es por eso, que el sombrero flota en el río.En cualquier caso sobre el río de Mark Twain flota el sombrero de Samuel Beckett, o eso imagino, señalando entre uno y otro, Sombrero y Mississippi, dos parámetros en la escritura, o eso parece.La idea de cruzar la distancia que separa el Mississippi del sombrero, responde al deseo infantil de pasar una vez más los dedos por el relieve de los mapas. Cualquier aproximación al juego de la escritura debería devolvernos a la intuición de paisajes aún no conocidos, con todos los márgenes de libertad que sea posible idear, como el paseo impreciso de quienes de niños seguían el curso de las latas pateadas con descuido» (Ray Loriga).
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En esta galería de voces (Rafael Argullol, Bernardo Atxaga, Félix de Azúa, Luis Alberto de Cuenca, Javier Marías, Eduardo Mendoza, Quim Monzó, Antonio Muñoz Molina, Soledad Puértolas y José Ángel Valente), el lector encontrará una reflexión polifónica acerca del destino de la literatura en nuestro tiempo. De lo diferente y lo común en las respuestas de los autores emerge un retrato individual de cada uno de ellos. ¿Cómo se defiende el libro de calidad en el mercado de banalidades? Entre la memoria, la realidad y la imaginación,¿dónde sitúan los autores su obra y qué responsabilidad tienen como escritores? ¿Hay libros olvidados o no traducidos que merecerían nuestra atención? La suma de las respuestas compone ese diálogo permanente en el cual se va hilando la literatura. En realidad, la respuesta a la cuestión del título del presente libro es muy sencilla: el destino de la literatura somos nosotros, los lectores. Pero, ¿quiénes somos nosotros? Para esta pregunta la literatura ofrece desde siempre respuestas y dudas.
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Literatura árabe es uno de los libros clave para conocer, de modo sintético y global, una de las literaturas más fecundas y sorprendentes de todos los tiempos que, a menudo, ha permanecido injustamente entre nosotros como una gran desconocida. Desde la poesía preislámica hasta los autores más relevantes del siglo XX, el profesor Vernet acompaña la presente edición con numerosos textos que no sólo ilustran el corpus literario en lengua árabe sino que además permiten esclarecer, de la mano de uno de los mayores especialistas occidentales, los contactos que esta civilización mantuvo con la nuestra dejando tras de sí una tradición literaria compartida. En esta misma editorial el lector podrá encontrar, del mismo autor, Lo que Europa debe al islam de España, Astrología y astronomía en el Renacimiento y Los orígenes del islam.
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Segon volum del recull de treballs en honor del filòleg Jordi Bruguera.
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Acusado de plagio tras el éxito de Una tumba para Boris Davidovich, llevado al paroxismo por la intelligentsia comunista, Danilo Kiš escribió su «libro de la redención». En él nos conduce hacia una metáfora global, la de la lección de anatomía desarrollada como símil del Arte. Festín sangriento en el que el arte triunfa sobre la banalidad y las ideologías totalitarias, Danilo Kiš se nos muestra como un cirujano inclinado sobre el cadáver del kitsch artístico e ideológico.
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Hombre sin mundo aparece por primera vez en forma de libro el año 1984 en Múnich, obra de marcado tono filosófico, reúne, no obstante, textos dedicados a escritores y artistas con los que, en su mayoría, el autor mantuvo una relación más o menos estrecha: Brecht, Broch, Döblin, Heartfield, Grosz y Kafka. El volumen contiene asimismo alguno de los dibujos de Günther Anders.
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Este útil diccionario resume y ordena todo el saber de la cultura latina. La obra, dividida en tres apartados -autores, obras, personajes-, nos habla de filósofos, oradores, poetas, historiadores, matemáticos, de personajes y de mitos, y nos da acceso a un importante caudal de obras, muchas de ellas poco conocidas. Esta obra es un libro de gran utilidad, no solo para estudiantes, sino para todo aquel que se interese por la cultura latina. '' Nescire quid antea natus sis acciderit, id est semper esse puerum'' (''Siempre es niño el que ignora lo que ha sucedido antes de su nacimiento'') CICERÓN
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No siempre logramos contemplar el fenómeno de la creación poética desde la experiencia del propio creador, desde una óptica vivencial y no exclusivamente teórica. En este libro Antonio Colinas se sumerge en la poesía a la luz del ejemplo de varios autores clásicos, modernos y contemporáneos. Nos transmite así su Poética, pero con extremada libertad, desde presupuestos heterodoxos y, a la vez, evitando la sequedad expositiva y los métodos comunes. Para ello no sólo interpreta la vida y la obra de los poetas que más ha amado, sino que no olvida momentos reveladores de la tradición, a la vez que hace una valoración de otras formas del arte, o de lugares y ciudades emblemáticos en los que se dio el canto primordial. De Hesíodo a Rilke y de Virgilio a Ezra Pound se suceden los nombres de una Poética ambiciosa. No faltan tampoco en este libro la valoración de poetas españoles (Manrique, Machado, Jiménez), de dos portugueses significativos (Pessoa, Torga), así como un apartado completo sobre María Zambrano y la confluencia de su razonar con la poesía. En otras ocasiones (Zambrano, Montale o Neruda), los creadores dialogan con el autor de este libro en sendas entrevistas sobre ese sentido primero que debe poseer la palabra poética.
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Buena parte del arte y de la literatura europeos se inscriben en las normas del decoro, en formas bien limadas que se ajustan a los patrones legitimados por la tradición y el buen gusto. Pero existe otra tradición que se revuelve contra las convenciones. El resultado es un arte incómodo, inclasificable y que se parece a un silencio: un estuche construido con material de derribo que esconde en su interior la estatua de un Dios. Un desajuste entre un exterior que puede ser impúdico, risible y grotesco, y un interior repleto de sabiduría. Una tradición que ha sido objeto de persecución y que cuando ha terminado imponiendo su excelencia se la ha tratado de velar con una interpretación que ocultara su singularidad y valor. Ya sea contando la historia de cómo el desnudo pictórico sobrevivió al decoro europeo, desmitificando las corrientes críticas que tratan de convertir a Cervantes en un mero transmisor del espíritu de la nación, analizando las irreverencias formales de Sterne y Rabelais, la heterodoxia de Juan Goytisolo o la provocación de un pintor como Egon Schiele, José María Ridao expone una corriente a menudo soterrada dentro de la cultura europea y rompe una lanza en favor de aquellos artistas que no dudaron en incurrir en imperfecciones y apartarse de los cánones convencionales si eso les valía para extender los límites de su creatividad artística. Una defensa que termina convirtiéndose en un auténtico elogio de la imperfección
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El volum inclou quinze peces dramàtiques en vers de tema hagiogràfic, datables entre els segles XII al XVI. Es tracta, concretament, de les següents: l’Epístola farcida de sant Esteve, l’Epístola farcida de sant Joan, el Sermó del bisbetó, el Misteri valencià de sant Cristòfol, la Consueta de santa Àgata, la Consueta de sant Eudald, la Consueta de sant Francesc, la Consueta de sant Jordi, la Passió de sant Jordi, la Consueta de sant Cristòfol, la Consueta del martiri de sant Cristòfol, la Consueta de sant Mateu, la Consueta de sant Crispí i sant Crispinià, la Consueta de sant Pere i la Consueta de sant Pau.
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Sentimiento y creación sugiere que en el origen de la literatura, en su más profundo estrato germinal, se encuentra lo que el autor llama experiencia interior. Buena parte de las páginas de este libro están consagradas a la delimitación de ese territorio por definición ignoto pero también, por definición, vivo y actuante en la generación de las obras artísticas. Los escritores bucean en su experiencia para conquistar la forma que represente adecuadamente lo que de ella conocen. No hay, sin embargo, escritura creativa sin tradición fecundante, y por eso este ensayo dedica un espacio a escrutar esa dimensión que nos asegura que los libros son hitos en una determinada sucesión genealógica. Por otro lado, el tiempo se encarga de moldear los estratos de la experiencia humana que se proyectan sobre las obras como su más consustancial fundamento. Este libro explora ese aspecto temporal de lo literario y artístico como también lo hace con el parentesco profundo que, cabe suponer, existe en último término entre todas las artes.
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El microrrelato es una forma literaria emblemática del siglo XXI. No sólo ha conquistado al público lector, sino también al académico, que le ha dedicado varios congresos y numerosas publicaciones. Pese a todo, muchos aspectos suscitan aún debate y estudio: la nomenclatura, el estatuto del género, las estrategias para comprimir al máximo el texto, el predominio de piezas fantásticas, intertextuales o humorísticas... La primera parte de este libro aclara estas cuestiones, mientras que la segunda analiza el microrrelato español desde sus orígenes hasta hoy. Si bien se pone el énfasis en Luis Mateo Díez, José María Merino, Juan Pedro Aparicio, Julia Otxoa o Ángel Olgoso, también se estudian textos de los precursores del género (Juan Ramón Jiménez, Gómez de la Serna o Max Aub) y de autores jóvenes que cultivan con fortuna el microrrelato.
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Una recopilación miscelánea de conferencias y ensayos de Umberto Eco sobre teoría de la literatura. Sobre literatura es una recopilación de reflexiones, a modo de ensayos breves, que podría considerarse como continuación de Seis paseos por los bosques narrativos (1996). Todos ellos tienen como sujeto la literatura: desde la reflexión sobre sus autores de referencia, como Nerval, Joyce, Borges, Aristóteles o Dante, y la influencia de algunos textos literarios en el desarrollo de la historia, hasta los problemas habituales en la creación literaria, como la representación verbal del espacio, la ironía intertextual o la elección del estilo. Son escritos ocasionales que revelan una continuidad de los intereses del autor, visita constante a las mismas fuentes de inspiración, que arrojan una nueva luz sobre el quehacer literario del gran semiólogo italiano.La crítica ha dicho...«Los ensayos que aquí se reúnen sobre literatura son especialmente brillantes. Abordan algunos temas clásicos como las funciones de la literatura, el símbolo, el aforismo y la paradoja, el estilo, el espacio o la ironía intertextual.»Darío Villanueva, El Cultural de El Mundo
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He aquí un ensayo de crítica literaria y artística que va más allá de su propio marco, que acaba constituyendo una exploración paciente, precisa y atormentada de todo lo que sale al encuentro del hombre de hoy por el simple hecho de existir ''algo como el arte y la literatura'': descenso hacia las profundidades, aproximación a la oscuridad, experiencia de la soledad y de la muerte. Se trata de un dominio en el que todo es tenebroso e incierto, pues el artista, como Orgeo, debe descender hasta ese punto hacia el cual parecen tender el arte, el deseo, el espacio y la noche. Pero éste no es un libro dogmático, es una experiencia ampliamente desarrollada, cuya forma, movimiento y unidad son tan importantes como las afirmaciones que en él se reflejan. Blanchot analiza la obra y la experiencia de Mallarmé, Hölderlin, Rilke y Kafka, por citar sólo estos nombres, conduciendo lentamente su investigación hacia lo que él llama su ''centro'', es decir, ese centro que se va desplazando según cuáles sean la presión ejercida por el propio libro y las circunstancias de su composición. Un centro que se mueve constantemente y a la vez sigue siendo el mismo, haciéndose cada vez más central, más escondido, más incierto y más imperioso. Un centro, en fin, que convierte este libro aparentemente fragmentario en una rigurosísima meditación sobre la conducta creadora.
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«Trabajos forzados» es una apasionante y amena guía de supervivencia que recorre los modos con que los astros más brillantes del universo literario han ido capeando el temporal del hambre. Ya sea porque buscaban hacerse ricos, o tal vez simplemente para sobrevivir, los escritores se han entregado tradicionalmente a los oficios más diversos: desde buscadores de oro a carteros, desde soldados de fortuna a industriales, desde contrabandistas de opio a fogoneros en un barco en China, conductores de autobús, verdugos, guardias, vendedores de bisutería… Malraux fue ministro, Jack London sobrevivió como cazador de ballenas en el Ártico. Colette abrió un salón de belleza y Orwell pasó de ser policía en Birmania a vivir lavando platos en Londres. Gorki trabajó como pinche de cocina en el Volga, Saint-Exupéry pensó toda su vida que su verdadero trabajo era el de aviador, e Italo Svevo dejó de ser un gran industrial para poder escribir: le bastaba concluir una línea para sentirse pagado.
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Si de las biografías de Fernando Pessoa se descuenta las partes que se refieren a las dolencias mentales del personaje, a su obra literaria, a la dimensión esotérica presente en la vida y en la obra del poeta, y al diletantismo político al que tantas veces este se entregó, en el mejor de los casos quedan unas pocas decenas de páginas para examinar la condición material de un ser humano profundamente desgraciado y, al tiempo, y en otra dimensión, secretamente feliz. Este libro bucea en lo que esas biografías consideran de relieve menor para estudiar aspectos de la vida de Pessoa que reclaman una aproximación monográfica: el carácter del escritor, su vida cotidiana, el trabajo, la fama que alcanzó, la posteridad que aguardaba, los amores, los viajes, las fotografías, las lenguas en que se desenvolvió, la muerte o, en fin, su relación con el país, Galicia, desde el que esta obra está escrita. Siendo cierto que para la mayoría de los especialistas la vida de Pessoa es un simple accidente —la luz que nace de la obra y la necesidad paralela de rescatar esta hicieron que el ser humano que se hallaba por detrás quedase en un discreto segundo plano—, ¿por qué no subvertir lo que asegura una conocida afirmación del poeta —«La literatura, como todo arte, es una confesión de que la vida no basta»— y subrayar lo que lleva implícito, esto es, que la vida también está ahí?
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Esta fascinante obra de René Girard no es un nuevo libro sobre Shakespeare, lo que ya sería una proeza después de todo lo que se ha escrito y publicado sobre este genio de la literatura universal, sino que es un libro nuevo sobre el tema. Y ahí reside todo su interés.
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Este estudio analiza la poesía completa de Manuel Vázquez Montalbán, la faceta de su obra literaria más desconocida por la crítica especializada y por el público en general, partiendo de la concepción que el propio escritor tenía de sí mismo: él, ante todo, se consideraba un poeta, a pesar de su notoriedad pública como periodista o como autor de la conocida serie de novelas protagonizada por el detective Pepe Carvalho. El análisis crítico de la poesía montalbaniana se centra, fundamentalmente, en torno a la memoria y el deseo, el binomio temático que recorrió toda su obra (nosolo la poética) desde sus primeras publicaciones hasta su muerte, en 2003. El análisis propuesto, además,tiende un constante puente con su biografía y con elresto de su obra (la narrativa, la periodística, etcétera), pues se ha querido demostrar que la esencia del ideario literario de Vázquez Montalbán está, sobretodo, en su poesía. Asimismo, este estudio pretendeincidir en la organización de la propia obra poéticade Vázquez Montalbán, dividida en dos grandes grupos:el primero, el ciclo Memoria y deseo, que abarca suobra poética entre 1963 (fecha del inicio de la escritura de su primer poemario, Una educación sentimental, publicado en 1967) hasta 1990, año en que se publicó su libro de poemas Pero el viajero que huye, y un segundo grupo en el que se agrupan sus tres últimos poemarios. Sergio García García (San Sebastián de los Reyes, Madrid, 1992) es doctor en Estudios Hispánicos por la Universidad Autónoma de Madrid, donde ha trabajo como contratado predoctoral. En la actualidad,es becario posdoctoral en el Instituto de Investigaciones Filológicas de la Universidad Nacional Autónomade México. Es autor de varios textos académicos sobrepoesía española contemporánea y coeditor de las antologías de Claudio Rodríguez Don y aventura (2018) y Sem epitáfio (2019). Ha publicado además seis poemarios bajo el seudónimo de Sesi García.
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Margarita Nelken va enlazando las escritoras españolas desde los albores del cristianismo a las juglarescas y soldaderas tanto moras como judías, llegando a finales del siglo XIV con uno de los primeros textos que se conservan en lengua castellana, el testamento de Doña Leonor López de Córdoba. Así va desgranando a consejeras de reyes, a místicas, a visionarias, sabias, etc.
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Los tres autores aquí reunidos —Meister Eckhart (1260-1328), Angelus Silesius (1624-1677) y Paul Celan (1920-1970)—, a pesar de su distancia en el tiempo, parecen tener una misma vocación: crear un lenguaje que escape a toda pretensión interpretativa. Cuando leemos sus textos poéticos no podemos dejar de pensar que ninguna imagen puede ser extraída de su contexto de escritura sin que con ello caiga rota en pedazos en su resistencia a ser trasladada a conceptos. Y por eso los leemos una y otra vez, con la esperanza de que las potentes imágenes que brillan tras los cuerpos de escritura pierdan con el tiempo su significado aparente y se conviertan pronto en presencias. Esta lectura busca crear las condiciones para una comprensión en la que significado y presencia no discurran por caminos diferentes, y de este modo contribuir a una aproximación posible a tan imposible expresión poética.
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La memoria vuelve a los libros rusos y recupera narraciones portentosas descubiertas en largas horas de lectura. Siempre enriqueció al lector el tesoro de laliteratura en lengua rusa con acontecimientos y personajes sorprendentes y con figuras de escritores cuyasvidas parecen fruto de la fantasía.¯ Bellas palabrasde Juan Eduardo Zúñiga que consiguen contagiar al lector su amor por Pushkin, Chéjov, Dostoyevski, Lérmontov, Turguéniev... todos escritores que destacaron por su vocación de transformar su experiencia en belleza y verdad, por la fuerza de sus historias y la solidez de sus personajes. Al leer estas páginas, nos sentimos de nuevo extasiados por mujeres soñadas, acariciando el perfumado cuerpo de Anna Karénina, atraídos por la fragilidad de la Nina de La gaviota de Chéjov,seducidos por las manos de la Tatiana de Eugenio Oneguin y por la mirada altiva de Grúshenka, la amante delos hermanos Karamázov, subyugados por campos brumosos y ciudades pobladas de fantasmas que pertenecen ya, en palabras de Andréi Beli, al país de los sueños por obra y arte de la creación literaria, cautivadospor los héroes torturados de Dostoyesvki, por la pasión contenida y el dolor íntimo en Turguéniev o la obsesión de Lérmontov por el momento final... Un éxtasis, una riqueza literaria que Juan Eduardo Zúñiga recupera en Desde los bosques nevados con el entusiasmopropio de quien se sabe deudor y partícipe de un universo intemporal.
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El autor de este ensayo hace suya y se plantea en toda su extensión la idea de que Pessoa es una naturaleza genial. Quien conoce la exégesis suscitada por la obra del poeta sabe que esta ingenuidad no es frecuente. Tampoco ignora que la aparente facilidad de aceptar este hecho no resuelve nada. Se trata sólo de una exigencia por parte del autor, bastante tímida, de acarrear con el peso de la convicción y todo lo que a ello le obliga. Nuestra lectura no será más que la continua reiteración de esta ingenuidad básica. Esto significa que vemos en el verbo de Pessoa, sobre todo en el que configura y plasma con más innegable fulgor esa “genialidad”, una especie de luz o de fuego que ilumina antes de esa iluminación. Eduardo Lourenço
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